Null JUAN BARJOLA (Torre de Miguel Sesmero, Badajoz, 1919 - Madrid, 2004).

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Description

JUAN BARJOLA (Torre de Miguel Sesmero, Badajoz, 1919 - Madrid, 2004). "La tauromachie". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Œuvre vérifiée par Juan Antonio Galea, fils de l'artiste. Mesures : 81 x 100 cm ; 103 x 122 cm (cadre). Barjola dote ses Tauromaquias d'un sens infâme, transmettant la tragédie de l'art de la tauromachie à travers un langage hérité de Goya et Picasso, qui avaient déjà saisi dans leurs gravures leur vision particulière de ce thème. Selon Fernando Castro, spécialiste de la figure de Barjola, "les visions infâmes de Barjola, doué d'une incroyable capacité à capter la nausée existentielle, ont un rythme obsessionnel, revenant dans des lieux inhospitaliers, qu'il s'agisse des arènes où l'agitation se produit après la corrida ou de la maison close où les corps délivrent, plus que tout, du dégoût". Barjola, qui a su synchroniser les courants du cubisme et de l'expressionnisme, développe dans ses corridas la dislocation des figures. Castro affirme que "Barjola fait de ses tauromaquias d'étranges compositions tourbillonnantes, en accordant une énorme attention au tiers des tiges. Dans ces tauromaquias catastrophiques, le cheval joue presque toujours le rôle de la victime propitiatoire, entraînée rapidement vers la mort par une action dont il n'a pas conscience, une action dans laquelle le cheval est innocent. C'est pourquoi il y a toujours un geste suprême de douleur, de protestation, de supplication". Appartenant au courant de l'expressionnisme représentatif, Juan Barjola est l'un des peintres espagnols les plus remarquables de la seconde moitié du XXe siècle. Dès son enfance, il manifeste son amour du dessin. À l'âge de quinze ans, il arrive à Badajoz pour commencer sa formation à l'Escuela de Artes y Oficios de la ville. En 1943, il s'installe à Madrid, où il étudie d'abord à l'Escuela de Artes y Oficios, puis à l'Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Parallèlement, il approfondit sa formation au musée du Prado. Durant cette période, qui s'achève en 1950, Barjola réalise une série d'œuvres académiques de style naturaliste, avec des thèmes tirés de la vie familiale, des personnages de banlieue et d'autres scènes de genre. Vers 1950, il entame une nouvelle étape du style post-cubiste, une tendance dominante à Madrid due à l'influence de Daniel Vázquez Díaz. Au cours de ces années, Barjola développe des images à facettes, avec un traitement plat et des couleurs bleutées et froides. Parallèlement, il commence à développer une nouvelle étape, plus constructive, marquée par des couleurs terreuses. En 1957, Barjola fait ses débuts à la galerie Abril de Madrid, et la même année, il organise deux autres expositions personnelles à Bruxelles. Il entame alors une brillante carrière d'exposition qui mènera ses œuvres en Europe, au Japon, aux États-Unis et en Amérique latine. Vers 1958, il entame une période courte mais intense au cours de laquelle il expérimente un langage de tendance abstraite. Son œuvre sera désormais marquée par des impastos épais et somptueux aux colorations sordides et sombres, qui forment des natures mortes abstraites et organiques. C'est le moment d'apogée de l'abstraction matérielle menée par le Barcelonais Tàpies. Un an plus tard, et sans que les épais empâtements ne disparaissent, les taches organiques commencent à se résoudre en embryons humains, le résultat étant un retour à la figuration dans la lignée de la tendance internationale initiée par Francis Bacon. Barjola devient ainsi le principal représentant espagnol de la Nouvelle Figuration. Dans le même temps, son travail est de plus en plus reconnu. Vers 1964, son œuvre connaît une nouvelle évolution, marquée par les peintures de Velázquez, Goya et El Greco. Ainsi commence l'âge d'or du peintre. L'empâtement épais disparaît et son langage devient plus fluide, tandis que ses couleurs acquièrent éclat et luminosité. Dans le même temps, Barjola crée une série d'œuvres d'un expressionnisme brutal et d'une grande puissance visuelle, liées aux thèmes de la violence et de la guerre. Cependant, à partir de 1972, sa peinture commence à abandonner ce poids conceptuel pour s'ouvrir à une expérimentation plus purement plastique, dans laquelle la forme, la composition et la couleur deviennent les protagonistes. Ce changement conduit, dans les années 80, à une peinture marquée par un sens décoratif et un lyrisme et un optimisme plus légers. Toute la dramaturgie de son œuvre disparaît, et les tableaux deviennent des célébrations de la lumière, de la couleur et du mouvement. C'est à cette époque qu'il reçoit le Premio Nacional de Artes Plásticas (1985). Cependant, au cours de la décennie suivante, Barjola reviendra à l'expression dramatique, laissant de côté l'expérimentation formelle pour se concentrer sur un pessimisme implacable, orientant sa peinture vers ce qui a toujours été son credo artistique : l'expression du drame humain. Après sa mort en 2004, d'importantes expositions lui ont été consacrées, comme la rétrospective organisée à l'IVAM de Valence en 2006. Il est actuellement représenté au Musée qui porte son nom à Oviedo, au Reina Sofía de Madrid, au Musée des Beaux-Arts de Bilbao, au Musée des Beaux-Arts de Madrid, au Musée des Beaux-Arts de Madrid et au Musée des Beaux-Arts de Madrid.

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JUAN BARJOLA (Torre de Miguel Sesmero, Badajoz, 1919 - Madrid, 2004). "La tauromachie". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Œuvre vérifiée par Juan Antonio Galea, fils de l'artiste. Mesures : 81 x 100 cm ; 103 x 122 cm (cadre). Barjola dote ses Tauromaquias d'un sens infâme, transmettant la tragédie de l'art de la tauromachie à travers un langage hérité de Goya et Picasso, qui avaient déjà saisi dans leurs gravures leur vision particulière de ce thème. Selon Fernando Castro, spécialiste de la figure de Barjola, "les visions infâmes de Barjola, doué d'une incroyable capacité à capter la nausée existentielle, ont un rythme obsessionnel, revenant dans des lieux inhospitaliers, qu'il s'agisse des arènes où l'agitation se produit après la corrida ou de la maison close où les corps délivrent, plus que tout, du dégoût". Barjola, qui a su synchroniser les courants du cubisme et de l'expressionnisme, développe dans ses corridas la dislocation des figures. Castro affirme que "Barjola fait de ses tauromaquias d'étranges compositions tourbillonnantes, en accordant une énorme attention au tiers des tiges. Dans ces tauromaquias catastrophiques, le cheval joue presque toujours le rôle de la victime propitiatoire, entraînée rapidement vers la mort par une action dont il n'a pas conscience, une action dans laquelle le cheval est innocent. C'est pourquoi il y a toujours un geste suprême de douleur, de protestation, de supplication". Appartenant au courant de l'expressionnisme représentatif, Juan Barjola est l'un des peintres espagnols les plus remarquables de la seconde moitié du XXe siècle. Dès son enfance, il manifeste son amour du dessin. À l'âge de quinze ans, il arrive à Badajoz pour commencer sa formation à l'Escuela de Artes y Oficios de la ville. En 1943, il s'installe à Madrid, où il étudie d'abord à l'Escuela de Artes y Oficios, puis à l'Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Parallèlement, il approfondit sa formation au musée du Prado. Durant cette période, qui s'achève en 1950, Barjola réalise une série d'œuvres académiques de style naturaliste, avec des thèmes tirés de la vie familiale, des personnages de banlieue et d'autres scènes de genre. Vers 1950, il entame une nouvelle étape du style post-cubiste, une tendance dominante à Madrid due à l'influence de Daniel Vázquez Díaz. Au cours de ces années, Barjola développe des images à facettes, avec un traitement plat et des couleurs bleutées et froides. Parallèlement, il commence à développer une nouvelle étape, plus constructive, marquée par des couleurs terreuses. En 1957, Barjola fait ses débuts à la galerie Abril de Madrid, et la même année, il organise deux autres expositions personnelles à Bruxelles. Il entame alors une brillante carrière d'exposition qui mènera ses œuvres en Europe, au Japon, aux États-Unis et en Amérique latine. Vers 1958, il entame une période courte mais intense au cours de laquelle il expérimente un langage de tendance abstraite. Son œuvre sera désormais marquée par des impastos épais et somptueux aux colorations sordides et sombres, qui forment des natures mortes abstraites et organiques. C'est le moment d'apogée de l'abstraction matérielle menée par le Barcelonais Tàpies. Un an plus tard, et sans que les épais empâtements ne disparaissent, les taches organiques commencent à se résoudre en embryons humains, le résultat étant un retour à la figuration dans la lignée de la tendance internationale initiée par Francis Bacon. Barjola devient ainsi le principal représentant espagnol de la Nouvelle Figuration. Dans le même temps, son travail est de plus en plus reconnu. Vers 1964, son œuvre connaît une nouvelle évolution, marquée par les peintures de Velázquez, Goya et El Greco. Ainsi commence l'âge d'or du peintre. L'empâtement épais disparaît et son langage devient plus fluide, tandis que ses couleurs acquièrent éclat et luminosité. Dans le même temps, Barjola crée une série d'œuvres d'un expressionnisme brutal et d'une grande puissance visuelle, liées aux thèmes de la violence et de la guerre. Cependant, à partir de 1972, sa peinture commence à abandonner ce poids conceptuel pour s'ouvrir à une expérimentation plus purement plastique, dans laquelle la forme, la composition et la couleur deviennent les protagonistes. Ce changement conduit, dans les années 80, à une peinture marquée par un sens décoratif et un lyrisme et un optimisme plus légers. Toute la dramaturgie de son œuvre disparaît, et les tableaux deviennent des célébrations de la lumière, de la couleur et du mouvement. C'est à cette époque qu'il reçoit le Premio Nacional de Artes Plásticas (1985). Cependant, au cours de la décennie suivante, Barjola reviendra à l'expression dramatique, laissant de côté l'expérimentation formelle pour se concentrer sur un pessimisme implacable, orientant sa peinture vers ce qui a toujours été son credo artistique : l'expression du drame humain. Après sa mort en 2004, d'importantes expositions lui ont été consacrées, comme la rétrospective organisée à l'IVAM de Valence en 2006. Il est actuellement représenté au Musée qui porte son nom à Oviedo, au Reina Sofía de Madrid, au Musée des Beaux-Arts de Bilbao, au Musée des Beaux-Arts de Madrid, au Musée des Beaux-Arts de Madrid et au Musée des Beaux-Arts de Madrid.

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