Null Maître de Madrid ; dernier tiers du XVIIe siècle.

"Purísima Concepción".

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Description

Maître de Madrid ; dernier tiers du XVIIe siècle. "Purísima Concepción". Huile sur toile. Revêtement. Elle présente des repeints, des défauts et d'anciennes extensions. Mesures : 81 x 57,5 cm. La représentation de Marie comme Immaculée avec la figure du corps entier, debout sur un croissant lunaire, qui est disposé au centre de la composition, est une représentation commune dans l'histoire de l'art. La chrétienté médiévale a débattu avec passion de la croyance selon laquelle Marie a été conçue sans tache de péché originel. Certaines universités et sociétés ont juré de défendre ce privilège de la Mère de Dieu, plusieurs siècles avant que le Concile Vatican I ne définisse le dogme de la foi en 1854. À la fin du Moyen Âge, le besoin se fit sentir de donner une forme iconographique à cette idée, et l'on prit le modèle de la Femme apocalyptique de saint Jean, en conservant certains éléments et en en modifiant d'autres (la Femme apocalyptique est enceinte, mais pas l'Immaculée). L'image définitive s'est concrétisée au XVIe siècle, apparemment en Espagne. Suivant une tradition valencienne, le père jésuite Alberro a eu une vision de l'Immaculée Conception et l'a décrite au peintre Juan de Juanes afin qu'il puisse la représenter le plus fidèlement possible. Il s'agit d'un concept iconographique évolué, parfois associé au thème du couronnement de la Vierge. Marie est représentée debout, vêtue d'une tunique blanche et d'un manteau bleu, les mains croisées sur la poitrine, avec la lune à ses pieds (en souvenir de la chasteté de Diane) et foulant le serpent infernal (symbole de sa victoire sur le péché originel). Autour de sa tête, comme une auréole, il porte les douze étoiles, symbole de plénitude et allusion aux douze tribus d'Israël. La plupart de ces images sont accompagnées dans le tableau par les symboles mariaux des litanies et des psaumes. De nombreux artistes ont travaillé sur ce thème, les œuvres de Mateo Cerezo (Burgos, 1637 - Madrid, 1666) et de José Antonílez (Madrid, 1635-1675) étant particulièrement remarquables pour le grand nombre d'œuvres qu'il a consacrées à l'Immaculée Conception, dont une vingtaine ont été conservées, dont trois signées au Museo del Prado. Il est parvenu à créer un type iconographique propre, d'une élégance et d'un raffinement extrêmes, dans lequel la Vierge apparaît avec un visage concentré, doucement absorbé malgré le groupe d'anges affairés qui l'entourent. L'école de Madrid est née autour de la cour de Philippe IV, puis de Charles II, et s'est développée tout au long du XVIIe siècle. Les analystes de cette école ont insisté pour considérer son développement comme le résultat du pouvoir contraignant de la cour ; ce qui est vraiment décisif, ce n'est pas le lieu de naissance des différents artistes, mais le fait qu'ils ont été éduqués et ont travaillé autour et pour une clientèle nobiliaire et religieuse basée à côté des royaux. Cela a permis et encouragé une unité stylistique, qui s'est progressivement transformée en un langage baroque plus autochtone lié aux conceptions politiques, religieuses et culturelles de la monarchie des Habsbourg, avant de s'éteindre avec les premières poussées de rococo. Les techniques les plus utilisées par ces peintres sont l'huile et la fresque. Stylistiquement, ils partent d'un naturalisme doté d'une notable capacité de synthèse pour aboutir opportunément à la complexité allégorique et formelle caractéristique du baroque décoratif. Ces artistes ont montré une grande préoccupation pour l'étude de la lumière et de la couleur, comme nous pouvons le voir ici, en mettant d'abord l'accent sur le jeu entre les tons extrêmes caractéristiques du ténébrisme, qui ont ensuite été remplacés par une coloration plus exaltée et lumineuse. Ils ont reçu et assimilé les influences italiennes, flamandes et de Velázquez.

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Maître de Madrid ; dernier tiers du XVIIe siècle. "Purísima Concepción". Huile sur toile. Revêtement. Elle présente des repeints, des défauts et d'anciennes extensions. Mesures : 81 x 57,5 cm. La représentation de Marie comme Immaculée avec la figure du corps entier, debout sur un croissant lunaire, qui est disposé au centre de la composition, est une représentation commune dans l'histoire de l'art. La chrétienté médiévale a débattu avec passion de la croyance selon laquelle Marie a été conçue sans tache de péché originel. Certaines universités et sociétés ont juré de défendre ce privilège de la Mère de Dieu, plusieurs siècles avant que le Concile Vatican I ne définisse le dogme de la foi en 1854. À la fin du Moyen Âge, le besoin se fit sentir de donner une forme iconographique à cette idée, et l'on prit le modèle de la Femme apocalyptique de saint Jean, en conservant certains éléments et en en modifiant d'autres (la Femme apocalyptique est enceinte, mais pas l'Immaculée). L'image définitive s'est concrétisée au XVIe siècle, apparemment en Espagne. Suivant une tradition valencienne, le père jésuite Alberro a eu une vision de l'Immaculée Conception et l'a décrite au peintre Juan de Juanes afin qu'il puisse la représenter le plus fidèlement possible. Il s'agit d'un concept iconographique évolué, parfois associé au thème du couronnement de la Vierge. Marie est représentée debout, vêtue d'une tunique blanche et d'un manteau bleu, les mains croisées sur la poitrine, avec la lune à ses pieds (en souvenir de la chasteté de Diane) et foulant le serpent infernal (symbole de sa victoire sur le péché originel). Autour de sa tête, comme une auréole, il porte les douze étoiles, symbole de plénitude et allusion aux douze tribus d'Israël. La plupart de ces images sont accompagnées dans le tableau par les symboles mariaux des litanies et des psaumes. De nombreux artistes ont travaillé sur ce thème, les œuvres de Mateo Cerezo (Burgos, 1637 - Madrid, 1666) et de José Antonílez (Madrid, 1635-1675) étant particulièrement remarquables pour le grand nombre d'œuvres qu'il a consacrées à l'Immaculée Conception, dont une vingtaine ont été conservées, dont trois signées au Museo del Prado. Il est parvenu à créer un type iconographique propre, d'une élégance et d'un raffinement extrêmes, dans lequel la Vierge apparaît avec un visage concentré, doucement absorbé malgré le groupe d'anges affairés qui l'entourent. L'école de Madrid est née autour de la cour de Philippe IV, puis de Charles II, et s'est développée tout au long du XVIIe siècle. Les analystes de cette école ont insisté pour considérer son développement comme le résultat du pouvoir contraignant de la cour ; ce qui est vraiment décisif, ce n'est pas le lieu de naissance des différents artistes, mais le fait qu'ils ont été éduqués et ont travaillé autour et pour une clientèle nobiliaire et religieuse basée à côté des royaux. Cela a permis et encouragé une unité stylistique, qui s'est progressivement transformée en un langage baroque plus autochtone lié aux conceptions politiques, religieuses et culturelles de la monarchie des Habsbourg, avant de s'éteindre avec les premières poussées de rococo. Les techniques les plus utilisées par ces peintres sont l'huile et la fresque. Stylistiquement, ils partent d'un naturalisme doté d'une notable capacité de synthèse pour aboutir opportunément à la complexité allégorique et formelle caractéristique du baroque décoratif. Ces artistes ont montré une grande préoccupation pour l'étude de la lumière et de la couleur, comme nous pouvons le voir ici, en mettant d'abord l'accent sur le jeu entre les tons extrêmes caractéristiques du ténébrisme, qui ont ensuite été remplacés par une coloration plus exaltée et lumineuse. Ils ont reçu et assimilé les influences italiennes, flamandes et de Velázquez.

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