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Sculptures en terre cuite

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CIRCLE OF MASSIMILIANO SOLDANI BENZI ITALIAN, FLORENCE, CA. 1700, CRISTO MORTO - CERCLE DE MASSIMILIANO SOLDANI BENZI ITALIEN, FLORENCE, CA. 1700 CRISTO MORTO Terre cuite, sur socle en bois ébonisé la figure 64,5 cm de long, 29 cm de profondeur, 14 cm de hauteur, socle 78,5 x 39,5 cmCette puissante représentation du Cristo Morto (Christ mort) couché a été associée au sculpteur florentin du XVIIIe siècle, Massimiliano Soldani Benzi (1656-1740). Soldani a acquis une réputation internationale dans toute l'Europe grâce à la diffusion de ses moulages en bronze de copies d'après l'Antique, ainsi que de ses propres compositions mythologiques et religieuses. Il y est parvenu grâce au mécénat direct d'importants clients étrangers, comme le prince Johann Adam Andreas Ier de Liechtenstein et le duc de Marlborough, et à la commercialisation personnelle de ses œuvres par Soldani, par l'intermédiaire d'agents dans toute l'Europe, comme Giovanni Giacomo Zamboni à Londres. Outre les bronzes, les modèles de Soldani étaient reproduits en porcelaine de Doccia, ce qui rendait ses compositions accessibles à un tout autre type de collectionneur. L'iconographie de la Pietà est particulièrement associée à Soldani ; ses interprétations de ce sujet ont eu une telle influence qu'elles sont devenues le point de départ de toute attribution d'un Cristo Morto couché anonyme réalisé en Italie dans la première moitié du XVIIIe siècle. Les images pieuses du corps mort du Christ couché, connues sous le nom de Lamentation, de Pietà ou plus généralement de Cristo Morto ou Christ mort, constituent une iconographie déchirante et intense qui a évidemment été interprétée par les artistes de nombreuses manières différentes. La Pietà la plus célèbre de la Renaissance italienne est sans doute le groupe de marbre de Michel-Ange dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Inévitablement, l'interprétation du sujet par Soldani rend hommage à Il Divino, tout comme les essais d'autres sculpteurs de la fin du XVIIe ou du début du XVIIIe siècle sur ce thème, qui ont peut-être également influencé le sculpteur de notre version. Parmi les autres interprétations notables, citons la terre cuite du sculpteur romain François Duquesnoy (1597-1643) conservée à l'Ashmolean Museum (inv. WA1940.190) ; les divers modèles du sculpteur siennois Giuseppe Mazzuoli (1644-1725), comme son marbre exquis à Santa Maria della Scala, Sienne, et un grand relief en terre cuite, vendu par Sotheby's, New York, 29 janvier 2021, lot 146 ; et le relief en terre cuite signé par le sculpteur bolonais Giuseppe Mazza (1653-1741), chez Walter Padovani, Milan. Il existe également d'autres modèles florentins pertinents qui ont des affinités avec la présente terre cuite. Un Cristo Morto en bois polychrome du monastère de Sainte-Agathe à Florence est représenté, comme cette terre cuite, seul et couché à plat sur un linceul, les genoux légèrement relevés et la main droite tendue à côté de lui. Le traitement de son torse, le ventre rentré et la poitrine musclée, est également comparable à la présente terre cuite. Cela contraste avec l'anatomie du Christ dans les différents modèles de Soldani, où le corps du Sauveur est plus rond et la musculature plus souple. La St Agata Cristo Morto est attribuée à un sculpteur du cercle de Giovanni Battista Foggini (1652-1725), et c'est dans ce contexte que la présente terre cuite semble trouver les parallèles les plus étroits. Un exemple particulièrement remarquable est le Christ mort couché de Balthazar Permoser (1651-1732) dans l'église Saint-Matthias de Breslau. Vers les années 1680, Permoser a travaillé dans l'atelier de Foggini pendant plus de dix ans. Le Christ de Permoser présente une anatomie similaire et un traitement proche des mains osseuses. Mais, de manière plus inhabituelle, Permoser inclut le christogramme "INRI" sous la tête du Christ. Cette caractéristique est inconnue de l'auteur dans tous les autres modèles du Christ mort, à l'exception de la présente terre cuite. Un Cristo Morto en terre cuite de SS Michele e Gaetano, Florence, anciennement associé à l'école de Foggini, mais désormais attribué à Giuseppe Piamontini (1664-1742), suggère un autre environnement, mais étroitement lié, dans lequel le sculpteur de la présente terre cuite aurait pu travailler. La terre cuite de Piamontini reflète la présente œuvre par son anatomie et ses doigts osseux, mais elle est moins émaciée dans l'ensemble - un magnifique Cristo Morto en albâtre de Piamontini, conservé au Palazzo Pitti, à Florence, témoigne d'un traitement similaire. Foggini et Piamontini étaient, avec Soldani, les principaux sculpteurs rivaux à Florence vers 1700 et tout sculpteur qui a travaillé dans leurs ateliers, ou même qui y est passé, a assimilé un style florentin caractéristique, un style qui est tangible dans la présente terre cuite. Cependant, le degré d'émaciation du corps et l'angoisse osseuse des mains de ce modèle du Cristo Morto évoquent une esthétique plus nordique qui pourrait indiquer un sculpteur étranger formé à Florence à la fin du XVIIe ou au début du XVIIIe siècle. Nous remercions Alexander Kader pour son aide dans le catalogage de ce lot. Pour plus d'informations sur ce lot, veuillez consulter notre site web.

Estim. 20 000 - 30 000 GBP

MANOLO HUGUÉ (Barcelone, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelone, 1945). "Les bœufs dans l'étable", 1935-1936. Relief en terre cuite sur socle en bois. Œuvre cataloguée dans le livre "Manolo. Sculpture, peinture et dessin", Montserrat Blanch, nº197, page 114. Provenance : Collection Jacky J. Druker, ami et mécène de Joan Brotat. Dimensions : 34 x 34 x 3 cm ; 6 cm (hauteur de la base). Dans le catalogue raisonné sur Manolo Hugué rédigé par Montserrat Blanch sont reproduites plusieurs œuvres (dessins préparatoires, bas-reliefs en terre cuite, mais aussi en pierre) ayant pour thème les bœufs (généralement représentés par paires), dont fait partie la pièce en question. Il s'agit d'une production réalisée entre 1917 et 1923, années au cours desquelles le sculpteur insuffle à la terre cuite de nouvelles suggestions thématiques et formelles. De retour à Céret, après sa période parisienne, il se consacre à l'étude des cadences, des rythmes, de l'essentialisme d'inspiration archaïque... une somme de stratégies pour échapper à toute stagnation et renouveler le langage sculptural sans cesser de dialoguer avec les classiques. Dans ce relief, une énergie sereine palpite comme une force invisible à travers les corps, les profils arrondis et en alternance avec les incisions géométriques. Les pattes avant du bœuf couché fléchissent pour s'adapter à l'angle, recherchant une certaine tension conceptuelle entre les volumes et leur enfermement dans une limite quadrangulaire précise. Ce faisant, il imite l'art grec développé dans les métopes. L'indication spatiale est brève et synthétique : quelques éléments schématiques esquissent l'idée d'une écurie. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, a été formé à la Escuela de la Lonja de Barcelone. Participant régulièrement aux réunions de "Els Quatre Gats", il se lie d'amitié avec Picasso, Rusiñol, Mir et Nonell. En 1900, il s'installe à Paris, où il vit pendant dix ans. Il y reprend sa relation avec Picasso et se lie d'amitié avec d'autres théoriciens de l'avant-garde tels qu'Apollinaire, Modigliani, Braque et Derain. Dans la capitale française, il travaille à la conception de bijoux et de petites sculptures, influencé par le travail de son ami, le sculpteur et orfèvre Paco Durrio. En 1892, il travaille avec Torcuato Tasso sur des œuvres décoratives pour les célébrations du centenaire de la découverte de l'Amérique. Entre 1910 et 1917, il se consacre entièrement à la sculpture et travaille à Ceret, où il réunit un groupe hétérogène d'artistes parmi lesquels se distinguent Juan Gris, Joaquín Sunyer et, à nouveau, Picasso. Au cours de ces années, il expose à Barcelone, Paris et New York. En 1932, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jorge à Barcelone. Dans l'œuvre de Hugué, ce qui est essentiel, c'est la relation avec la nature, en tenant compte de la figure humaine en tant qu'élément intégré à celle-ci. Il s'agit d'une caractéristique du classicisme noucentiste, mais qui, dans les mains de Hugué, dépasse ses origines limitées. Il représentait généralement des paysans, mais aussi des toreros et des danseurs -comme on peut le voir ici-, toujours avec un niveau de détail et une appréciation des textures qui révèlent son ancienne formation d'orfèvre. Dans sa production artistique coexistent la tradition méditerranéenne, le classicisme et l'archaïsme grecs, l'art de l'Égypte ancienne et de la Mésopotamie, et l'avant-garde européenne qu'il a assimilée et connue de près, en particulier le fauvisme et le cubisme de Matisse. Des œuvres de Hugué sont conservées au MACBA, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Musée national d'art de Catalogne et au Musée national et centre d'art Reina Sofia, entre autres.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR