Cuadros

Al estilo de Jan VAN KESSEL Ramo de flores en un jarrón sobre un entablamento Panel entarimado (Restauraciones antiguas.) Altura : 36 cm 36 cm ; Anchura : 27,5 cm Marco de madera dorada, época Luis XIV Experto : Cabinet TURQUIN

Albert DUMOULIN (1871-1935) - Composición Óleo sobre lienzo firmado abajo a la izquierda y fechado en 1902 Tamaño: 35,5 x 25 cm

Paul HAGEMANS (1884-1959) Óleo sobre tabla, "Un Dimanche au Bord de l'Eau", firmado abajo a la derecha, 72 x 86 cm, estado: excelente enmarcado bajo cristal

GOSWIN VAN DER WEYDEN ANVERS, 1455/1465 - C. 1538 - Virgen con el Niño rodeada de Santa Catalina de Alejandría y Santa Margarita de Antioquía Óleo sobre tabla 72,4 x 64,2 cm PROCEDENCIA En el reverso, sello de la colección de María Luisa de Austria (1791 - 1847), duquesa de Parma; Venta anónima; Londres, Sotheby's, 9 de diciembre de 1992, n°64; Londres, Christie's, 7 de julio de 2004, n°18; Turín, Galería Luigi Caretto; Adquirido a esta galería por el actual propietario. BIBLIOGRAFÍA Andrea Bacchi, A Collector's Choice, 1987, pp. 13-15, nº 3, ilustrado como Goswyn van der Weyden. EXPOSICIÓN The Northern Renaissance - 15th and 16th Century Netherlandish Paintings, Nueva York, Colnaghi, 1983, nº 20, como The Master of Hoogstraeten. Devoto admirador del arte de su abuelo Rogier van der Weyden (1399/1400 - 1464), Goswin se situó como heredero de su manera, deseando sin duda ilustrarse más perpetuándola que desarrollando sus propios códigos. Documentado en Bruselas a partir de 1465, fue con su padre Pieter con quien realizó su aprendizaje. Tras un breve periodo en Lierre, entre 1492 y 1500, se trasladó a Amberes, donde abrió un taller con numerosos alumnos. Al mismo tiempo, ingresó en el gremio de San Lucas, del que llegó a ser decano en 1530. De su abuelo, conserva cierto gusto por las figuras monumentales a las que da un aspecto escultórico. Como él, muestra un gusto por el grafismo vivo y más bien esbelto, una estilización que favorece la elegancia de las siluetas esbeltas, con miembros finos y largos como los delicados dedos de sus figuras. Sólo los rostros, ligeramente ovalados, hacen una concesión de cierta redondez, pero sus narices largas y finas ya no permiten ver las suaves curvas más características de la primera parte del siglo XV. El prototipo iconográfico de la Virgen con el Niño se encuentra un poco antes en Hans Memling (1430 - 1494). Alumno de Rogier van der Weyden, Goswin le tomó prestada la figura central, rodeada aquí por dos santas como intercesoras, lo que sin duda deseaba el comisionado. Memling había propuesto esta configuración en varias de sus composiciones, incluidas las de la National Gallery de Londres (fig. 1) y el Metropolitan Museum de Nueva York (fig. 2). Nueva York (fig. 2). Una atribución anterior atribuía la presente obra al Maestro de Hoogstraeten, por analogía con el follaje que sirve de dosel sobre el que destacan la Virgen o los ángeles que se disponen a coronarla, motivo que puede observarse en un retablo del Maestro, visible en el Kunsthistorisches de Viena. Sin embargo, en 1987, Andrea acchi consiguió reintegrar nuestra composición en el corpus de Goswin van der Weyden, todavía poco exhaustivo y que había sufrido clasificaciones sin duda apresuradas bajo los nombres de Hoogstraeten o del joven Jan Gossaert (c. 1478 - 1532). Junto al legado de su abuelo, el pintor de esta Virgen con el Niño asimiló y transcribió la obra de Jan van Eyck (c. 1390 - 1441) y de Robert Campin (c. 1375 - 1444). Casi un siglo antes, los dos maestros habían inaugurado una nueva modernidad en la pintura flamenca con el desarrollo de la pintura al óleo. El primero, considerado por algunos de sus biógrafos (hagio) como el "inventor" de la técnica, llevó al límite el dominio de este material particularmente fluido, con el que, mediante la superposición de las capas de color, conseguía técnicamente hacer "pasar" realmente la luz, confiriendo al resultado final un aspecto particularmente fino y de porcelana. Esta era la base de la formación de Goswin, para cuya generación era ya casi evidente trabajar de este modo. Su materia fluida y fina superpone veladuras de diferentes colores y enriquece los efectos de transparencia. Las telas se presentan en tonos preciosos, el juego de sombras confiere monumentalidad al conjunto, mientras que la carne diáfana maravilla por su finura. Entre los efectos de los materiales y de la luz, la preocupación por un cierto realismo y la idealización de las figuras sagradas, Goswin van der Weyden perpetúa el arte que le ha sido transmitido y se hace su paladín. IMPORTANTE Debido a la presencia del sello de la colección de Maria Luigia de Austria, este cuadro no puede salir del territorio italiano (ni antes ni después de la venta). Exposición pública el 13 de marzo de 2023 en Turín. Venta con cita previa el 28 de marzo de 2023 a las 15.00 horas en París. Se informa al comprador final de que deberá tomar posesión de este panel en Turín directamente.

PREMIER ATELIER DE JACQUES-LOUIS DAVID PARIS, 1748 - 1825, BRUXELLES - Retrato de Antoine-Laurent Lavoisier (1743-1794) y su esposa, Marie-Anne-Pierrette Paulze (1758-1836) Óleo sobre lienzo montado sobre tabla, Hacia 1789 109,5 x 83,2 cm PROCEDENCIA Hélène Paulze d'Ivoy (1792 - 1833), donada por su tía Marie-Anne-Pierrette Lavoisier (1758 - 1836); luego Jacques Ramey de Sugny (1829 - 1909), donado por su madre, Hélène Paulze d'Ivoy, y después por descendencia hasta nuestros días. El retrato de Lavoisier y su esposa, obra de Jacques-Louis David (1748 - 1825), es bien conocido en nuestros manuales de historia, física y química, y nos ha llegado como emblema del Siglo de las Luces. Encarnación de una nueva forma de modernidad iniciada a lo largo del siglo XVIII y síntoma de las convulsiones venideras, la obra fue excluida del Salón de 1789 por su carácter casi subversivo. En un formato monumental en el que utilizaba los códigos de una puesta en escena reservada a la nobleza y la aristocracia para un par de intelectuales, David anunciaba los profundos cambios sociales ya en marcha. Esta primera versión, hoy en el Metropolitan Museum de Nueva York (fig. 1), está poco documentada sobre los orígenes y el contexto de su encargo, salvo que el pintor recibió el pago de la obra a finales de 1788. Transmitida a través de los descendientes de Marie-Anne Lavoisier, la calidad técnica de esta segunda versión redescubierta, su proximidad casi perfecta a su modelo, la presencia subyacente de una mise au carreau, y la prolífica actividad del importante taller que dirigía David, sugieren que se trata de la obra de un alumno cercano como Boilly (1761 - 1845), Fabre (1766 - 1837) o Girodet (1767 - 1824). La composición fue lo suficientemente popular como para que se ejecutara una réplica, de dimensiones más modestas, testimonio de la La composición fue tan popular que se realizó una réplica, de dimensiones más modestas, testimonio de la confianza que el pintor depositó en uno de sus alumnos más talentosos. Químico, economista, Antoine-Laurent Lavoisier aparece hoy como el inventor de la química moderna. Aunque fue pionero en la investigación del oxígeno, la pólvora y la composición química del agua, también se replanteó la forma en que la ciencia debía ser la forma en que debía teorizarse y explicarse la ciencia. En 1789 publicó su obra más famosa y probablemente la más completa, Traité élémentaire de chimie. En su discurso preliminar, afirma: "El lenguaje no puede perfeccionarse sin perfeccionar la ciencia, ni la ciencia sin el lenguaje, y por muy ciertos que sean los hechos, por muy correctas que sean las ideas a que hayan dado lugar, sólo transmitirían impresiones falsas, si no tuviéramos expresiones exactas para expresarlas".1 Fue uno de los primeros en poner de manifiesto la distancia que media entre lo que se dice comúnmente y lo que se sabe por primera vez. Visionario, sabía que había que crear un nuevo lenguaje científico al servicio del ritmo cada vez más rápido de los descubrimientos. A su lado, Marie-Anne Pierrette Lavoisier, de soltera Paulze, fue una valiosa colaboradora. Traduciendo obras extranjeras al francés, ilustrando el Traité (se puede ver una carpeta de dibujos en el sillón del fondo), pero también publicando póstumamente los escritos inéditos de su marido, incluidas sus memorias. póstumos, incluidas sus memorias inacabadas, participó activamente en el desarrollo y la difusión de la obra de su vida. A título privado, también había sido alumna de alumno de David, con quien pudo entablar amistad con algunos de sus compañeros. Fue bajo esta luz que David eligió finalmente representarlos. Una campaña de estudio y restauración llevada a cabo por el Departamento de Pinturas del Museo Metropolitano2 ha sacado a la luz una composición subyacente bastante diferente de la que conocemos aquí. Originalmente, el artista había imaginado un interior lujoso, más burgués: frente a una librería, pocos instrumentos científicos, una simple cesta de mimbre al pie de un escritorio neoclásico adornado con un friso de bronce dorado. Madame Lavoisier, en cambio, lucía un atuendo más extravagante, que incluía un sombrero à la tarare, un gran tocado con plumas y cintas. Esta primera versión era más acorde con la otra actividad de Antoine-Laurent Lavoisier, la de granjero general, cargo que le permitía mantener sus ingresos y su estatus social. Aunque trabajó durante un tiempo para el Tribunal Revolucionario, esto no le salvó de la guillotina en 1794 tras un escándalo político. 1. Antoine-Laurent Lavoisier, Le Traité élémentaire de chimie, présenté dans un ordre nouveau, et d'après les découvertes modernes, París, Cuchet, 1789, fol. VI-VII. 2. Silvia A. Centeno, Dorothy Mahon, David Pullins, "Los secretos de un retrato revolucionario", en The Burlington Magazine, septiembre de 2021, vol. II. 162, nº 1422.

Achille LAUGÉ (1861-1944) Genêts delante de una casa Óleo sobre lienzo firmado abajo a la derecha y trazo de fecha (probablemente 1924). Dimensiones: 54 x 73 cm Accidentes y restauraciones. Procedencia: Adquirido directamente al artista por la familia del actual propietario. Acompaña a esta obra un certificado de autenticidad entregado por la Sra. Nicole TAMBURINI.

Robert COMBAS (né en 1957) - Doble cabeza. Positiva, negativa. Bien desconectado, bien engañado. Retrato contemporáneo. No entiendo el arte contemporáneo. Hay algo de magia africana en este dibujo, 1998. Acrílico, fieltro y purpurina sobre papel impreso, dos hojas ensambladas, cada una firmada al pie 29,5 x 45 cm Procedencia : Galería Laurent Strouk, París Colección de Monsieur P., París Esta obra está registrada en los archivos del estudio Robert Combas

Jerzy Kossak (polaco, 1886-1955) Militar y su caballo. Óleo sobre cartón. Firmado y fechado abajo a la izquierda: Jerzy Kossak | "1928". Alto 24,5 Ancho 21,5 cm. En un marco de madera dorada y estucada (Alto 40 cm Ancho 37 cm). Hijo y nieto de famosos pintores de escenas de batallas y de caza, Jerzy Kossak estuvo inmerso en un mundo rico en motivos militares, en particular los relacionados con la caballería, que ocupa un lugar especial en la cultura y la identidad polacas. Experimentado jinete, sirvió en el frente italiano durante la Primera Guerra Mundial como teniente en un regimiento de lanceros austriacos, y después enseñó equitación en una escuela de oficiales de caballería polaca. Muchos de sus cuadros, como este Hombre militar y caballo, que muestra a un uhlan (lancero) polaco acompañado de su montura, son en realidad retratos dobles del hombre y el animal que muestran su profunda complicidad. Representando a soldados con uniformes polacos, símbolo de independencia, se han convertido en imágenes icónicas del periodo heroico de la Segunda República, cuando Polonia renació tras más de un siglo de partición. Jerzy Kossak (Cracovia, 1886-1955, Cracovia); pintor polaco, hijo del pintor Wojciech y nieto del pintor y acuarelista Juliusz Kossak. Se formó con ellos desde su infancia. Como continuador de su arte, crea escenas de batallas, históricas y de género con el omnipresente motivo del caballo. Sus temas favoritos eran las escenas del Levantamiento de Noviembre, las guerras napoleónicas y muchas escenas de la guerra de los años veinte, incluida la batalla de Varsovia, también conocida como el Milagro del Vístula. También pintó numerosas persecuciones y carreras con cosacos, ataques de lobos, cacerías y bodas. Los temas de sus obras siempre han despertado el interés de coleccionistas y público.

CLAUDE VENARD (1913-1999) Vista de Montmartre Óleo sobre lienzo Firmado abajo a la derecha Óleo sobre lienzo; firmado abajo a la derecha 100 X 100 CM - 39 3/8 X 39 3/8 PULG. - Se entregará al comprador un certificado de la Sra. Renata Venard.

ECOLE BELGE XIXE-XXEME - El músico Óleo sobre tabla Tamaño: 19 x 24 cm

Adrien de WITTE 1850 (Liège 1850-1935) - Paisaje Óleo sobre lienzo firmado abajo a la derecha Tamaño: 50 x 25 cm

Ossip ZADKINE (1888-1967) Figura mitológica, el escultor Bronce patinado verde Diseñado en 1941, fundido en 1968 Firmado y numerado en la parte superior de la base "O.Z. 3/6 ". Sello de fundición "ROMAN BRONZE WORKS INC. N.Y.". Altura : 45 cm 45 cm ; Anchura : 21 cm ; Profundidad : 21,5 cm Procedencia: - Galerie Schmit, París 1970 (n° 52 de la exposición "Zadkine 1890-1967" de abril-mayo de 1970) - Colección privada, París; después por vía descendente. Bibliografía: - D. Chevalier, "Zadkine. Esculturas", Guy Le Prat, París, 1949, reproducido (sin paginar, un ejemplar similar) - París, Galerie Schmit, abril-mayo de 1970, n° 52 (nuestro ejemplar) - Mont-de-Marsan, Musée Despiau-Wlérick, julio-agosto de 1970, n° 37 (un ejemplar similar) - I. Jianou, "Zadkine", Arted, París, 1979, n° 284 y 319 (fechado en 1943) - C. Lichtenstern, "Ossip Zadkine, der Bilhauer und seine Ikonographie", Gebr. Mann Verlag, Berlín, 1980, n° 132, reproducido (un ejemplar similar) - Musee Zadkine, "Esculturas", Musées de Paris, París, 1989 - Albi, Museo Toulouse-Lautrec, "Zadkine. Mythologie et Poésie", octubre-diciembre de 1992, n° 11, reproducido en el catálogo (un ejemplar similar) - S. Lecombre, "Ossip Zadkine l'oeuvre sculpté", Paris-Musées, París, 1994, n° 333, reproducido en blanco y negro en la p. 372 Ossip Zadkine concibió "Figura mitológica, el escultor" en 1941, desde Nueva York donde se había exiliado durante la guerra para escapar del yugo nazi. Esta escultura se inscribe en la estética neoclásica que afecta al artista desde principios de los años treinta y que se consolida definitivamente durante su estancia en Estados Unidos entre 1941 y 1945. Especialmente marcado por un viaje a Grecia en 1931, su interés por la Antigüedad se manifiesta en el gusto por los temas mitológicos y la introducción de elementos formales extraídos de la estatuaria griega. Sin negar sus influencias cubistas, mezcló algunos de sus rasgos estilísticos, en particular el juego de volúmenes cóncavos y convexos. Figura mitológica, el escultor" es una obra cubista, en particular por el aplanamiento del rostro, que recuerda una obra anterior del artista, "Homo Sapiens" (1933-1935, París, Museo Nacional de Arte Moderno). Al igual que en esta escultura de madera de olmo, Zadkine inserta el rostro de su personaje en un capitel jónico. El artista se inscribe así en la concepción del Renacimiento y en las teorías de Vitruvio, que asociaba la columna al cuerpo humano. Zadkine, escultor profundamente humanista que siempre situó la figura humana en el centro de su obra, presenta aquí su doble en bronce. La obra aparece como testimonio de su fe en el hombre y en su poder creador. Experto : BRAME ET LORENCEAU

Edgar SCAUFLAIRE (Liège 1893-1960) - Dos mujeres Óleo sobre lienzo firmado arriba a la izquierda Tamaño: 35 x 50 cm

Elysée FABRY (Liège 1882-1949) - Vista de Targnon Óleo sobre lienzo firmado abajo a la izquierda Tamaño: 40 x 54 cm

Albert Marie LEBOURG (1849-1928) - El Sena en París y el Pabellón de Argelia en la Exposición Universal, 1889 Óleo sobre lienzo, firmado y fechado en 1889 y situado en París, abajo a la izquierda 44 x 74 cm (repintado, grietas y restauración) Procedencia: Galería Charpentier, París

ERRO (né en 1932) - Sin título, 2000 Acrílico sobre lienzo firmado y fechado al dorso 55 x 46 cm Procedencia : Colección del Sr. P., París Bibliografía : Erro, 1987-2006, Ediciones Hazan, 2007, reproducido en el n°627 p.190

École Française du XVIIème siècle, entourage de Charles Beaubrun (1604-1692) - Retrato de una joven Óleo sobre lienzo oval Alto 41 cm - Ancho 33 cm (restauraciones) Presentado en un bello marco de madera dorada esculpida con flores de la época Luis XIV. Procedencia: Muy probablemente de la Galería Voltaire; París, 16 de julio de 1974. Se entregará al comprador un certificado de autenticidad establecido por J.L Souffrice atribuyéndolo a Charles Beaubrun.

MAXIMILIEN LUCE (1858-1941) El patio del mercado, Gisors, ca. 1895-1897 Óleo sobre papel montado sobre tabla Firmado abajo a la derecha Óleo sobre papel colocado sobre tabla; firmado abajo a la derecha 23 X 31,9 CM - 9 X 121/2 PULG. - PROCEDENCIA Venta, Mes Ader-Picard-Tajan, París, Hôtel Drouot, 27 de mayo de 1972, lote 37. Venta, Me Loudmer, París, Palais Galliera, 16 de marzo de 1973, lote 49. Venta, Sotheby's París, Galerie Charpentier, 27 de diciembre de 2016, lote 86. Adquirido durante esta venta por el actual propietario. Colección particular, España. - BIBLIOGRAFÍA Denise Bazetoux, Maximilien Luce, Catalogue de l'œuvre peint, tome II, éditions JBL, París: 1986, descrito y reproducido en blanco y negro bajo el n° 519, p. 130. - EXPOSICIONES París, Bernheim-Jeune, Maximilien Luce, 15-24 de enero de 1912, probablemente n°22. Düsseldorf, Galerie Flechtheim, Exposición colectiva, 18 de abril-8 de mayo de 1914, probablemente n° 21.

FRAGONARD, Jean-Honoré] (1732-1806) école - Sátiros y Bacantes Prov: Colección belga Óleo sobre tabla (33 x 40 cm), sin firmar, s. XVIII/XIX, marco decorativo

Lubin BAUGIN (Phitiviers hacia 1612 - París 1663) Adán y Eva llorando por Abel Cobre Altura : 51 cm Anchura : 64 cm Firmado abajo a la derecha: Baugin Marco: madera tallada dorada obra francesa del periodo Luis XIV Famoso durante mucho tiempo por sus raras naturalezas muertas de la década de 1630, Baugin es reconocido hoy como un importante pintor de historia parisino de mediados del siglo XVII. En sus primeros años, frecuentó a los pintores flamencos del mercado de Saint-Germain-des-Prés, y luego viajó a Roma y Parma entre 1632 y 1640, donde recibió la influencia de maestros italianos como Correggio, Parmesano, Rafael y Guido Reni. Instalado en París a principios de la década de 1640, fue admitido en la Academia de Saint-Luc, el gremio de los pintores, y después en la Academia Real en 1651. Realizó numerosos pequeños santos de familia para particulares, y después recibió grandes encargos para diversas órdenes religiosas o los "Mays" de la catedral de Notre-Dame. Nuestro cuadro es inédito. El episodio en el que Adán y Eva descubren el cuerpo sin vida de su hijo Abel, asesinado por su propio hermano Caín, no se describe en el Génesis. Está tomado del tratado teológico Speculum Humanae Salvationis (Espejo de la salvación humana), del primer cuarto del siglo XIV, y ha sido ilustrado a menudo por pintores. En 1821 se menciona un cuadro muy grande de Baugin que representa "Adán y Eva" (véase el catálogo de la exposición Lubin Baugin, Orleans, Museo de Bellas Artes, Toulouse, Museo de los Agustinos, 2002). Este mismo catálogo sólo cita pinturas sobre grandes planchas de cobre, que corresponden a las nuestras, al final de la carrera del artista (op. cit., p.220, n°83; p.242, n°98; p.244, n°100). En esta fecha, ya no encontramos en él las formas manieristas y los colores suaves de sus primeras Madonas, sino un estilo más clasicista que corresponde al "aticismo parisino" de la regencia de Ana de Austria, cuando se acerca a Jacques Stella y Sébastien Bourdon. El cuerpo inerte de Abel evoca el de Cristo muerto, llorado por dos ángeles, en el famoso cuadro del El cuerpo inerte de Abel evoca el de Cristo muerto, llorado por dos ángeles, en el famoso cuadro del museo de Orleans, y el modelado del torso de Adán puede compararse con el San Jerónimo del museo de Caen. Experto : CABINET TURQUIN - M. Stéphane PINTA - 69 rue Sainte-Anne 75002 París - 01 47 03 48 78

Achille LAUGÉ (1861-1944) El Hort cerca de Cailhau Óleo sobre lienzo, firmado abajo a la izquierda y fechado (18)96. Dimensiones: 65 x 81 cm Origen: Adquirido directamente al artista por la familia del actual propietario. Acompaña a esta obra un certificado de autenticidad entregado por la Sra. Nicole TAMBURINI. En la encrucijada de varios movimientos vanguardistas de su época, Achille Laugé tomó prestado el toque divisionista de Seurat y Signac sin negar la herencia impresionista de la pintura del motivo y el gusto por las series de Monet. Esta misma independencia de espíritu le llevó, en los años 1890, a abandonar la capital para regresar a su pueblo natal de Cailhau. de Cailhau. Se dedica entonces a pintar al aire libre y recorre la región con una "caravana-estudio", desde la que pinta numerosos estudios de paisaje. de la que pintó numerosos estudios de paisaje. En el Lieu-dit l'Hort, realizó una serie de paisajes de gran formato, uno de los cuales se expone actualmente en el museo Fabre de Montpellier. Al igual que Cézanne y su Sainte Victoire, o Monet y sus Meules, su Route de l'Hort revela la capacidad de Laugé para captar los efectos de la luz en diferentes momentos del día.

ECOLE BELGE XIXEME - Escena interior Óleo firmado abajo a la derecha Tamaño: 26 x 20 cm

Joseph BONVOISIN (Liège 1896 - La Roche-en-Ardennes 1960) - Vista de la colina de Chevremont Óleo sobre tabla firmado abajo a la izquierda y fechado en 1925 Tamaño: 21 x 29 cm

Ladislas KIJNO (1921-2012) - Impresión en rojo Óleo sobre lienzo firmado abajo a la derecha 116 x 89 cm Procedencia : Colección Jacques Jules Legillon Exposición : Lille, Museo de Bellas Artes, Homenaje a Kijno, 2000

Gérard SCHLOSSER (né en 1931) - A principios de 2015 Acrílico sobre lienzo arenado firmado, fechado y titulado al dorso 100 x 100 cm Procedencia : Galería Strouk, París Colección privada, París

VALLIN, Jacques Antoine (1760-1831) - Bacante y amor en un paisaje boscoso Procedencia: Delerive, Lille; colección privada belga Óleo sobre tabla (35,5 x 46,5 cm), firmado débilmente abajo a la derecha, marco dorado

Ecole allemande du XVIIème siècle - Escuela alemana del siglo XVII Grupo de soldados polacos Óleo sobre lienzo, forrado 24,5 x 30,5 cm

Atribuido a Balthazar BESCHEY (1708-1776) Retrato de un hombre con traje polaco; Retrato de una dama con sombrero de plumas Pareja de paneles de roble, una tabla, sin entarimar Dimensiones : 28 x 21,7 cm Varias etiquetas en el reverso: Venta Louvel, Niza, 28 de enero de 1965, n 146 como "école de Leprince". "de la colección de Georges Grappe, conservador del Museo Rodin". Experto : Stéphane PINTA / Tél : 01 47 03 48 78 - stephane.pinta@turquin.com La recogida de los lotes tendrá lugar el martes 11 de abril de 2023 con cita previa, en París XV (Metro : Sèvres-Lecourbe). [La dirección exacta le será comunicada tras el pago íntegro del resguardo, cuando se concierte la cita].

Pensionante del SARACENI Actif vers 1610-1620 Melon, pastèque et fruits sur un entablement Toile Melon, watermelon and fruits on an entablature, canvas, by the Pensionante del Saraceni 56 x 72 cm (22,05 x 28,35 in.) Provenance : Acquis par le père des actuelles propriétaires avant 1980 dans le Sud de la France ; Collection particulière, Paris Expositions : 'Natura morta italiana, tra Cinquecento e Settecento', Munich, Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, 6 décembre - 2002 - 23 février 2003, p. 156-157 (notice par Mina Gregori), repr. en couverture du catalogue 'La natura morta italiana, da Caravaggio al Settecento', Florence, Palazzo Strozzi, 26 juin- 12 octobre 2003, p. 162-163, repr. (notice par Mina Gregori) Bibliographie : 'Caravaggio e l'Europa : il movimento caravaggesco internazionale da Caravaggio a Mattia Preti', cat. exp., Milan, Palazzo Reale et Vienne, Liechtenstein Museum, 2005-2006, mentionné p. 501 Maria Giulia Aurigemma, " Il pensionante del Saraceni ", in A. Zuccari (dir.), 'I Caravageschi, percosi e protagonisti', Milan, 2010, t. II, p. 553-562 Yuri Primarosa, in M. G. Aurigemma (dir.), cat. exp. 'Carlo Saraceni (1579-1620). Un Veneziano tra Roma e l'Europa', Rome, Museo di Palazzo Venezia, 2013-2014, p. 359, mentionné dans la notice du n° 84 Michele Nicolaci, " Il Pensionante del Saraceni. Storiografia di una enigma caravaggesco ", in M. G. Aurigemma (dir.), cat. exp. 'Carlo Saraceni (1579-1620). Un Veneziano tra Roma e l'Europa', Rome, Museo di Palazzo Venezia, 2013-2014, p. 373 Yuri Primarosa, in cat. exp. 'L'Origine della Natura Morta in Italia, Caravaggio e il Maestro di Hardford', Rome, galerie Borghèse, p. 234, mentionné dans la notice du n° 18 Michele Nicolaci, in cat. exp. 'Caravage à Rome, amis et ennemis', Paris, musée Jacquemart-André, 2018-2019, p. 170, mentionné dans la notice du n° 28 Carole Blumenfeld, "Le Pensionante del Saraceni enfin identifié ?", in 'The Art Newspaper', n° 49, février 2023, p. 12 Commentaire : Le nom de convention de Pensionante de Saraceni a été créé par Roberto Longhi en 1943 dans son article " Ultimi studi su Caravaggio e la sua cerchia ", publié dans la revue 'Proporzioni'1, regroupant alors un corpus de quatre œuvres caravagesques qui se distinguent toutes par une qualité picturale très élevée, et qui proposent une synthèse entre le réalisme du Caravage, au clair-obscur très marqué, et une ambiance lumineuse douce et délicate influencée par Carlo Saraceni. Longhi le désigne comme "Pensionnaire"2 et non comme "élève" ou "suiveur" pour souligner l'indépendance de ce peintre par rapport à Saraceni. Il le juge plus avancé que ce dernier dans son interprétation de la leçon de Caravage, Saraceni n'ayant pas développé le genre de la nature morte. Bien que Longhi à l'époque ait proposé l'hypothèse qu'il pourrait s'agir d'un peintre français (en citant Jean Le Clerc)3, sa nationalité ainsi que son nom restent inconnus à ce jour4. Il donne au Pensionante la 'Négation de Saint Pierre' (Rome, Pinacothèque vaticane), le 'Vendeur de poulet' du musée du Prado à Madrid, le 'Cuisinier' de la galerie Corsini de Florence et le 'Vendeur de fruits' du Detroit Institute of Arts (fig.1). À ce premier groupe, les critiques ont ensuite rattaché une dizaine de tableaux5 dont la 'Nature morte avec fruits et carafe' de la National Gallery de Washington6 (fig.2), qui lui est rendue par Fritz Baumgart en 1954 7. Considérée comme l'un des chefs-d'œuvre des débuts de l'histoire de la nature morte occidentale, celle-ci présente des similitudes évidentes avec notre toile, variation sur le même thème, puisque la poire, la figue, la grappe de raisins se retrouvent disposées différemment sur les deux peintures. Les dimensions sont les mêmes, au point que l'on peut s'interroger : étaient-elles réunies en paire à l'origine ? On y découvre les mêmes passages lumineux nacrés typiques du peintre (cf. M. Gregori, 'op. cit.') ainsi que le melon et la pastèque fendus avec la pulpe bien visible et encore humide, et le rendu du volume des pommes comparables à ceux de la partie basse du 'Vendeur' de Detroit. On les rapprochera aussi des natures mortes sur la table et l'étagère du 'Cuisinier' de la Galerie Corsini (fig. 3). La nôtre partage avec ce dernier la même invention géniale du clou isolé sur le mur dont l'ombre permet de creuser l'espace. La place précoce et originale de notre œuvre dans l'histoire de la nature morte en Italie Le choix des fruits, ou la carafe dans le tableau de Washington, le réalisme avec lequel les objets sont interprétés, l'utilisation de fonds neutres, la sobriété et l'équilibre des dispositions, situent notre peintre comme connaissant bien les premières œuvres du Caravage, telles que le 'Bacchus' de la Galerie des Offices de Florence, le 'Garçon avec un panier de fruits' de la Galerie Borghèse de Rome et la célèbre nature morte de la pinacothèque Ambrosienne à Milan (fig. 4). Datée vers 1597-1600, cette 'Corbeille de fruits', peinte par C

Francis Smith (anglo-portugués, 1881-1961) La Casa Roja Lienzo Firmado abajo a la izquierda. Al dorso una etiqueta con la mención "La casa roja / óleo sobre lienzo 10 F / Francis SMITH / 183H". Alto 55 cm, ancho 46 cm. FRANCIS SMITH, MEDIO SIGLO DE PINTURA Nacido en Lisboa pero de apellido británico, Francis Smith vivió en París desde los veinte años. En 1963, el museo Galliéra rindió un brillante homenaje a su pintura, cuya obra refleja un irreductible optimismo. "La casa roja" ilustra perfectamente el largo y rico periodo de actividad del artista. Mientras inventaba Mientras inventaba sus propias fórmulas plásticas, Francis Smith se movía serenamente entre los neoimpresionistas, nabis, cubistas, fauvistas

Olivier Debré (francés, 1920-1999) Sin título Óleo sobre lienzo. Alto 22 cm, ancho 27 cm. Procedencia: donado a la pintora Catherine Barthémy en el año 2000. Certificado de autenticidad n° C.23.444 de los Archivos Olivier Debré y nota de inclusión en el catálogo razonado de Sylvie Debré-Huerre, fechados el 15 de febrero de 2023. Bibliografía : - Eric de Chassey y Lydia Harambourg, Olivier Debré, Expressions Contemporaines, 2007, obras a Sin título, c. 1990, óleo sobre lienzo, 80 x 80 cm (coll. part.); Sin título, c. 1990, óleo sobre lienzo, 60 x 92 cm (coll. part.); Sin título, c. 1990, óleo sobre lienzo, 63 x 86 cm (coll. part.), reproducido en pp. 152 y 153. DEBRE, LA EXPLORACIÓN DE LA REALIDAD INTENSA "El arte -en este caso la pintura- procede de lo más profundo del ser, de las profundidades. De hecho, está más allá de la voluntad individual. Esperamos que el arte se abra a lo inasible. Gide dice con razón que no sabemos lo que Lo que uno aporta consciente y concertadamente forma parte de lo superficial y lo fácil. Entrevistas con Olivier Debré, 1996, Le cherche midi éditeur Si las obras de Debré conmueven al mundo y pueden conmovernos hoy, es en efecto gracias a esta invitación poética del artista: tocar la obra con los ojos e inundar la mente de colores. Sin embargo, no fue hasta muchos años después cuando el artista emprendió este camino artístico, gracias a una ruptura a la vez personal e histórica, la emoción de la Liberación y las revelaciones de las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial. Debré siguió entonces los pasos del Impresionismo y la constatación de que no podía ser representado. Afectado hasta el punto de decidir romper con la "pintura ancestral", Debré rechazó la solución del discurso primitivista al que habían recurrido tantos de sus contemporáneos. al que sucumbieron tantos de sus contemporáneos. Su obra consiste finalmente en explorar la realidad más intensa de formas nuevas, utilizando sus propios métodos.

Atribuido a Frans FRANCKEN II (1581-1642) Las Bodas de Caná Panel de roble, dos tablas, sin entarimar. En el reverso la marca del panneleur Lambrecht Steen. 53 x 69 cm Marco de madera tallada y dorada del periodo Luis XIV (faltan pequeñas piezas).

A.STEVENS (Ecole belge) - Naturaleza muerta con un hacer Óleo sobre lienzo firmado arriba a la izquierda Tamaño: 55 x 76 cm

Louis Mathieu VERDILHAN (1875-1928). Vista del puerto, óleo sobre lienzo. Dimensiones: 30,5 x 36 cm. Accidentes.

Frantz SEIMETZ (1858-1934) Autoportrait présumé Huile sur toile sur panneau. Signée en bas à gauche. 18 x 13 cm Frantz Seimetz, artiste luxembourgeois prolifique, est connu pour ses portraits et paysages peints dans un style impressionniste. La villa Vauban au Luxembourg, lui consacre en 2014 une exposition rétrospective présentant notamment un ensemble d’environ 70 œuvres, provenant pour la plupart d’un don de la veuve du peintre fait à la Ville de Luxembourg.

JEAN-GABRIEL DOMERGUE (1889-1962) Venecia Óleo sobre lienzo Firmado con las iniciales abajo a la derecha Óleo sobre lienzo; firmado con las iniciales del artista abajo a la derecha 64,5 X 54 CM - 25 3/8 X 21 1/4 PULG. - El Sr. Noé Willer ha confirmado la autenticidad de esta obra. Se puede obtener un certificado a cargo del comprador.

ECOLE EUROPEENNE du XIXEME - Paisaje animado Óleo sobre lienzo con monograma HS abajo a la izquierda y fechado 55 para 1855 Tamaño: 41,5 x 33,5 cm

Armand GUILLAUMIN - GUILLAUMIN Armand 1841-1927: Crozant, la roche de l'Echo, ca. 1910. Óleo sobre lienzo SBG 65x91 cm Procedencia: Colección Khan Wolf-EE.UU. - Venta Butterfield San Francisco en 1997 - Colección privada desde esta venta. Bibliografía: catálogo razonado de Serret-Fabiani reproducido n°737 (IVA en el iImport 5,5% además de las pujas)

ERDELYI, ADALBERT (1891-1955) - Ciudad de Uzhgorod en otoño, firmado, además firmado, con la inscripción "Uzhgorod Tikhoi", titulado en cirílico y fechado en 1950 en el reverso. Óleo sobre lienzo, 120 por 97,5 cm.

Gérard SCHLOSSER - SCHLOSSER Gérard, nacido en 1931: J'y Pense, 2008. Acrílico sobre lienzo, firmado al dorso y fechado 100x100 cm. Procedencia: Galerie Strouk-Paris

Escuela holandesa del siglo XIX Barcos en un canal Óleo sobre tabla, fechado en 1839 abajo a la derecha (Pequeños accidentes.) Altura : 22,5 cm 22,5 cm ; Anchura : 34 cm

Escuela francesa; siglo XVIII. "Naturaleza muerta". Óleo sobre lienzo. Medidas: 73 x 48 cm. Sobre la mesa aparecen diferentes frutas, de distintos tamaños, dispuestas en aparente desorden, pero siguiendo sin embargo un esquema muy pensado, determinado por líneas horizontales suavizadas por las líneas verticales del jarrón de bronce y algunas diagonales, que introducen un ligero movimiento en la composición. La disposición de los elementos de la composición en un plano horizontal, la propia abundancia de estos elementos, que crea un conjunto abigarrado, así como la presencia del cortinaje y la cortina, tienen sus raíces en los bodegones flamencos y centroeuropeos del Barroco de los siglos XVII y XVIII. El bodegón se encontraba en el escalón más bajo de la jerarquía de los géneros en la historia del arte, pero se hizo cada vez más popular entre los compradores. Además del tema independiente del bodegón, se dirigía a otros tipos de pintura utilizando elementos destacados, generalmente simbólicos, e imágenes que recurrían a multitud de elementos de la naturaleza en un aparente intento de reproducir una parte de la vida. Cabe destacar que, dentro de los bodegones, la representación de flores, o jarrones, se consolidó como un subgénero muy apreciado entre los coleccionistas, que veían en estas pinturas el elemento perfecto para la decoración de sus extensas fincas.

Pays-Bas, XVIe siècle Entourage de Joos van Cleve La Vierge à l'Enfant à la grappe de raisins Huile sur panneau de chêne, parqueté (Restaurations) The Virgin and Child with a bunch of grapes, oil on panel, Netherlands, 16th C. 32,50 x 23,50 cm (12,80 x 9,25 in.)

ATTRIBUÉ À JUAN PANTOJA DE LA CRUZ VALLADOLID, 1553 - 1608, MADRID - Retrato de mujer de la corte de Felipe III de España (1578-1598) Óleo sobre lienzo 123,1 x 101,2 cm Juan Pantoja de la Cruz comenzó su formación con Alonso Sánchez Coello (1531/32 - 1588), durante la última etapa de éste. Su carrera continuó en diversas cortes de diversas cortes europeas, donde la influencia de Antonio Moro (c. 1520 - 1576/78), antiguo maestro de Coello, ya había marcado profundamente su producción pictórica. Autor de composiciones religiosas y bodegones, Pantoja conoció el éxito gracias a su talento como retratista. Iniciado bajo el reinado de Felipe II, pintó para la corte del rey a partir de 1580 y fue nombrado oficialmente pintor de corte desde 1596. La influencia de Coello se aprecia en la postura hierática de Pantoja, realzada por un esquema de iluminación que contrasta luces y sombras, permitiendo que la nobleza del rostro emerja de un fondo generalmente oscuro. Sin embargo, esta rigidez es ante todo un reflejo de la imagen que debe transmitir la realeza. En efecto, como cabeza de uno de los reinos más poderosos de Europa, los retratos transmiten la importancia del cargo y el rigor de la etiqueta impuesta en la corte española. Otra influencia notable es la de Antonio Moro. De origen holandés, este artista se distingue por su meticuloso tratamiento de las joyas. La atención prestada a los detalles de esta magnificencia sitúa a Pantoja en la estirpe de su predecesor, y la riqueza de la familia real española no puede sino perfeccionar tal agudeza. Así, la nobleza del sujeto, su postura contenida en un estuche de encajes y piedras preciosas, y el uso de tonos cálidos que guían la mirada directamente al rostro de esta dama de la corte, permiten crear una fórmula aplicada a los retratos oficiales, cuya posteridad asegurarán los jóvenes artistas formados en el importante taller dirigido por Pantoja.

Ecole romantique du XIXème siècle, entourage de Xavier SIGALON (1787-1837) - Escuela romántica del siglo XIX, entorno de Xavier SIGALON (1787-1837) Retrato de hombre Óleo sobre lienzo, ampliado en la parte inferior, rayado 76 x 58 cm

BOLDINI GIOVANNI - GIOVANNI BOLDINI (1842-1931) Giovanni Boldini (Ferrara 1842 - París 1931) 'Intimidad (Figura femenina con senos desnudos)' 1890 c. óleo sobre tabla. En el reverso, etiqueta de la Galleria d'arte Sant'Ambrogio de Milán. cm. 36x26 5 Procedencia: Atelier Boldini. Colección Enrico Piceni Milán. Subasta de cuadros Finarte Milán 1969. Galería de Arte Sant'Ambrogio Milán. Colección privada Milán. Exposiciones: 1969 Milán n.68. Exposición 'In cammino con l'ottocento italiano' Galleria d'arte Sant'Ambrogio Palazzo Borromeo Milán. Bibliografía: Piero Dini y Francesca Dini 'Boldini. Catalogo ragionato' Umberto Allemandi & C. vol.III tav.585 pp.318. Tiziano Panconi 'Giovanni Boldini. The Complete Works' Edifir - Ediciones Florencia pp. 321. Buzzichini e Piazzi Taccuini di Musetta Bietti Milano 1945 tav.XVI p. 161. L'opera completa di Boldini editado por E.Camesasca introduzione di C.L.Ragghianti Rizzoli Milano 1970 n.203 pp.106/107. B.Doria Giovanni Boldini. Catalogo generale dagli archivi Boldini Rizzoli Milano 2000 n.265.

HENRI EPSTEIN (1891-1944) Mujeres en el mercado Óleo sobre lienzo Firmado abajo a la izquierda Óleo sobre lienzo; firmado abajo a la izquierda 24 X 33 CM - 9 1/2 X 13 IN.

Daniel DUPRE (Amsterdam 1752-1817) - Paisaje animado Óleo sobre tabla firmado abajo a la derecha Tamaño: 24 x 38,5 cm

Óleo sobre lienzo de estilo impresionista - vista de Bretaña ? - sin firma visible - 85x120 cm

Óleo sobre lienzo siglo XVIII - repintado en el siglo XIX - retrato del rey Felipe V - del estilo o atribuido a Hyacinthe RIGAUX ? - Marco de época - 76x62 cm sin marco