Las obras en las galerías

MonkeyBrid - Monkeybird (2012 -) "Conservatorio 110 x 130 cm Plantilla, acrílico sobre madera 2022 Único en su proceso, este auténtico estarcido finamente ensamblado sobre madera noble, vestigio de un uso urbano clandestino, revela la minuciosidad de la técnica de los estarcidores, desvelando sus secretos en la más pura tradición de los maestros artesanos de la iluminación, el grabado o la marquetería. Este encaje de papel hará las delicias de los más exigentes en busca de objetos confidenciales de coleccionista. Creada en 2012, la Monkey Bird Crew (MBC) está formada por dos jóvenes artistas de Burdeos, Temor y Blow the Bird (o The Blow). Artistas del estarcido conocidos por la precisión de su trazo y la delicadeza de su corte, realizado totalmente a mano, están especializados en representaciones de arquitecturas metafísicas donde cohabitan el Pájaro ("Blow") y el Mono ("Temor"). Inspirados en tratados de geometría, mecánica, cosmología y astronomía, utilizan todo tipo de medios y soportes, como la iluminación y la caligrafía. Además, están obsesionados con reintroducir la presencia de animales en las murallas de las ciudades. Estos animales, no tan distintos de los de las famosas fábulas de La Fontaine, nos recuerdan con picardía nuestras propias preocupaciones humanas, a medio camino entre el deseo de libertad y elevación (simbolizado por el Pájaro) y las obsesiones materiales y corporales de las que el hombre no puede liberarse (el Mono). Al tiempo que revisten los muros de las ciudades (París, donde viven, Lille, Burdeos, pero también Amsterdam, Nueva Delhi y varias ciudades de México), también realizan obras sobre diversos materiales reciclados (madera, metal, vidrio) y sobre papel.

5.600 EUR

Nebay - On Shape, 2021, acrílico y tinta en aerosol sobre lienzo doble, 50 × 40 × 5 cm. Sin abandonar nunca el muro o la calle, Nebay es uno de esos grafiteros para los que el paso al lienzo es un elemento más, fuente de experiencias y rico en descubrimientos. Su estilo se inspira en sus coetáneos neoyorquinos, y fue uno de los primeros en experimentar con el dripping -arrojar pintura al suelo- en las aceras parisinas y sobre lienzo. Rico, colorista y lleno de energía, su universo mezcla un revoltijo de carteles secuestrados, manchas de colores y abstractas, estilo salvaje y goteo sobre lienzo, portador de un mensaje de rabia siempre teñido de esperanza. Grafitero parisino desde hace más de 30 años, Nebay comenzó a grafitear en 1987 en las calles de París y se unió al colectivo JCT - Je Cours Toujours à 100 à l'heure. Nacido en 1973, Nebay es un artista callejero que forma parte de su tiempo e invierte en su entorno: la ciudad. Le gusta decir que es "un jardinero de hormigón que cultiva el color". Fue a principios del año 2000, durante un viaje iniciático de varios meses alrededor del mundo, cuando algo hizo clic: ir hasta el final de sus sueños, pensar a lo grande. Sus lecturas, encuentros y el descubrimiento de los países que recorrió -Rusia, Mongolia, China, Vietnam, Camboya, Laos y Tailandia- le hicieron tomar conciencia del mundo que le rodeaba y de lo que quería dejar como huella. De vuelta a Francia, aprovecha su oportunidad y cambia de vida para convertirse en artista por derecho propio. El graffiti es un arte efímero, que abunda y le obliga a reinventarse y superarse constantemente. Al final, el graffiti es mucho más un estilo de vida. En resonancia con el espacio donde se ejecuta, hace que la experiencia sea viva: la sensación de pintar al aire libre, en las calles, bajo los puentes, en lugares abandonados... Las fachadas sobre las que trabaja son dinámicas, con irregularidades que no se encuentran en los lienzos. Al apropiarse del espacio público y de la calle, Nebay se inscribe en un antiguo planteamiento de participación en la vida de la ciudad. El graffiti, una práctica ilegal, se convierte en un acto político: pertenece a la esfera pública, al tiempo que transmite un mensaje con connotaciones políticas, sociales o medioambientales. Nebay se preocupa siempre de transformar su medio en un verdadero pedazo de memoria: memoria colectiva, memoria de los acontecimientos, memoria individual... expresando su búsqueda de identidad, sus sentimientos, sus declaraciones y homenajes. Los visitantes de sus exposiciones se permiten así viajar en su compañía, captando las emociones que el artista les transmite generosamente.

1.300 EUR

Fenx - Wonder Woman #2, 2012, tinta y rotulador sobre placa de esmalte, 97 x 97 cm Mobiliario urbano personalizado y objetos de transporte público grafiteados y reinterpretados invadieron el espacio del sótano de la galería Wallworks para la insólita exposición "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". A la exposición se accede por una escalera cubierta de etiquetas y grafitis. Piezas encontradas o recién adquiridas durante la venta de la RATP, los artistas se apoderan de todo tipo de elementos urbanos y de transporte público: cabinas telefónicas, semáforos, farolas, señales de tráfico esmaltadas, cortinas de hierro, buzones, carteles de metro de París, Moscú y Nueva York, cabezas de vaca de paradas de autobús, señales de tráfico y ferroviarias, lavabos de la SNCF, asientos de la RATP y otras piezas de automóvil... Siete piezas presentadas en la inauguración están aún en blanco -entre ellas la emblemática M amarilla de plástico, platos esmaltados y una puerta de metro- y están destinadas a ser personalizadas por nuevos artistas y finalizadas durante futuras actuaciones artísticas. 36 artistas estadounidenses, europeos, sudasiáticos y rusos del movimiento del graffiti o arte urbano dan una nueva vida a todos estos objetos cotidianos en un gran desorden colorido y lleno de graffitis. Esta nueva muestra colectiva sigue el principio de las anteriores exposiciones colectivas que reunieron a unos cincuenta artistas callejeros - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016)-, de las que Claude Kunetz tiene el secreto. Adaptando los conocimientos de su profesión inicial de productor cinematográfico al montaje de exposiciones, busca mobiliario urbano vintage que confía a artistas para que lo personalicen. Recientemente adquiridas en la subasta de la RATP en beneficio del Recueil Social, las emblemáticas placas de metro de plástico amarillo M -con retroiluminación de neón- y de hierro esmaltado, así como los asientos circulares "A Kiko" -concebidos inicialmente, según sus diseñadores y creadores, como "resistentes a las quemaduras, a los arañazos, a los graffiti (sic) y a los esfuerzos mecánicos"- se presentan tal cual desde la inauguración. A continuación, se confiarán a nuevos artistas que las personalizarán, dándoles el toque final durante las representaciones artísticas que tendrán lugar a lo largo de la exposición. Junto a algunas piezas más antiguas de exposiciones anteriores, dos grandes placas esmaltadas con los nombres de las estaciones de Trocadero y Estrasburgo Saint-Denis, de COLORZ y PSYCKOZE respectivamente, completan esta colección de elementos de transporte público y mobiliario urbano, todos ellos reinterpretados libre y artísticamente.

3.500 EUR

Hendrick Czakainski - Fuentes no puntuales, 139x89cm, 2022 Orden y caos armonizan con rara habilidad en las obras tridimensionales del artista alemán Hendrik Czakainski. A primera vista abstractas, sus coloridas composiciones resultan ser bastante concretas cuando uno se acerca a ellas y descubre la multitud de construcciones que se entrelazan mientras fingen permanecer sabiamente alineadas. No se trata de ciudades para vivir, sino de arquitecturas imaginarias, vestigios del futuro donde la presencia humana está representada por las líneas y formas de los trazados urbanos vistos desde el cielo. En su estudio de Berlín, Hendrik Czakainski construye una obra que combina entornos urbanos y paisajes, donde la naturaleza nunca está lejos. Sus esculturas murales, que a veces parecen habitadas y otras parcialmente devastadas por hipotéticos huracanes, hacen referencia a la globalización y la industrialización, el medio ambiente y el cambio climático. Pero el artista no da las claves, así que depende de cada uno encontrar lo que quiere ver. Pintor de formación, Hendrik Czakainski lleva casi diez años diseñando arquitecturas imaginarias que presenta como esculturas murales. Tras enseñar arquitectura en la Escuela Técnica Beuth de Berlín, ahora se dedica por entero a la creación artística. Confiesa que se inspira especialmente en la arquitectura que ha encontrado en sus viajes por las grandes ciudades del sudeste asiático, en documentales o en el cine, como las ciudades futuristas de las películas de ciencia ficción contemporáneas. Como si volviera a su primer amor de pintor, ahora se interesa más por el color, que utiliza con mayor facilidad. Su proceso creativo también ha evolucionado, en el sentido de que ya no concibe sus construcciones directamente sobre el soporte, sino de antemano: luego las dispone en la obra y las utiliza como otros tantos elementos distintos, a la manera de los píxeles de una imagen o los pigmentos de un color. Esta libertad le permite un mayor rigor en cada composición, y la libertad de dar forma a sus construcciones tanto por la disposición de los elementos arquitectónicos predefinidos, como por su color y por las sombras proyectadas por el pincel.

6.500 EUR

Katre - Action mayo 68, 2018, Técnica mixta sobre la portada original de la revista "Action", 54 × 37 cm 42 artistas de arte urbano se expresan en portadas originales de Action, el periódico activista de mayo del 68. Fundada en París por Claude Kunetz en 2011, la galería Wallworks se ha hecho rápidamente un nombre en la escena del arte del grafiti con exposiciones individuales dedicadas a grafiteros franceses (Nebay, Tilt) o estadounidenses (Rime, Haze) y exposiciones colectivas para las que se invita a los artistas a personalizar mobiliario urbano. Claude Kunetz, inicialmente productor de cine, adapta sus conocimientos de producción al montaje de exposiciones coleccionando mobiliario urbano de época que confía como soporte creativo a artistas del movimiento del graffiti y el arte urbano. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016), ha hecho una especialidad de estas exposiciones para las que numerosos grafiteros y artistas callejeros intervienen todo tipo de mobiliario urbano: cabinas telefónicas, buzones, semáforos, señales luminosas, farolas, señales de metro, señales de calle esmaltadas, cortinas de hierro, paradas de autobús, señales de carretera y ferrocarril, bancos de tren, piezas de automóvil... Con motivo del 50 aniversario de Mayo del 68, repitió la experiencia, esta vez confiando a artistas ejemplares originales del diario Action. Creado por el periodista Jean Schalit, Action publicó su primer número el 7 de mayo de 1968. Sirvió de relevo para las reivindicaciones de varios movimientos estudiantiles y comités de acción de los institutos. Las páginas de Action se abrieron a numerosos dibujantes como Siné, Topor y Wolinski. Conservados durante 50 años, todos estos documentos fueron recopilados en su día por Claude Kunetz cuando, siendo preadolescente, vivía con sus padres en la rue Gay-Lussac. Impresionado por la efervescencia de las barricadas que observaba desde su ventana, se dedicó a recopilar metódicamente estos documentos. La exposición también presenta una selección de folletos y documentos de la época.

1.500 EUR

Chontal - ‎ ‎ CHONTAL - Personnage‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  Personnage debout - CHONTAL - Mexique - Influence Teotihuacan – GUERRERO - 350 - 100 AV. J.-C.. - Précolombien Hauteur : 22,2 cm Largeur : 8 cm Epaisseur : 4,5 cm Diorite vert olive Documents (originaux) remis à l’acquéreur : - Certificat d’authenticité de la Galerie Mermoz, Santo Micali, Expert, (CNE) Compagnie Nationale des Experts - Certificat Art Loss Register - Passeport de libre circulation - Rapport de microanalyses - Facture Ce personnage debout, sculpté dans une diorite verte rehaussée de cinabre, est une merveilleuse synthèse de l’art Chontal, né dans les montagnes du Guerrero sur la côte pacifique du Mexique, et de l’art de la brillante Cité de Teotihuacán, installée sur les hauts plateaux, qui a rayonné pendant plus de huit siècles. Ce métissage est visible à travers le naturalisme du visage attribué aux œuvres Chontal, et le hiératisme du corps, reflet des conventions en vigueur à Teotihuacán. Il tend à confirmer les contacts établis entre les deux cultures et leur influence réciproque. En cela, cette œuvre est un très beau témoignage de ce qu’est l’identité mésoaméricaine, une constellation de peuples dispersés mais enracinés dans le même système de pensée, qui n’ont cessé de se rencontrer et de s’imprégner sur près de trois mille ans. Ce personnage marque la montée en puissance de Teotihuacán, qui sans effacer les particularismes locaux, a progressivement imposé ses standards sur une vaste partie de la Mésoamérique. Le haut de la tête est plat. Les arcades sourcilières légèrement arquées rejoignent la racine du nez. Une perforation se situe au milieu de la base du nez. Le nez est plat et les narines sont bien dessinées. Les yeux sont creusés. Les pommettes sont saillantes. La bouche est creusée et les lèvres sont en relief. Les oreilles sont saillantes et rectilignes.  Le cou est large et la tête est enfoncée sur les épaules.  Les épaules sont larges. Le torse est sculpté. Les bras sont courts et tenus le long du corps. Les jambes sont courtes et séparées.

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Alamito - Suplicante - ALAMITO – Argentine - 100 AV. J.-C. - 250 AP. J.-C - Precolombien Hauteur : 50,5 cm Largeur : 19 cm Epaisseur : 18,5 cm Trachyandésite grise à patine gris-noir Documents (originaux) remis à l’acquéreur : - Certificat d’authenticité de la Galerie Mermoz, Santo Micali, Expert, (CNE) Compagnie Nationale des Experts - Certificat Art Loss Register - Passeport de libre circulation - Rapport de microanalyses - Facture. Cette sculpture représente un personnage agenouillé très stylisé, propre à l’art argentin, réalisé dans une roche volcanique dure nécessitant une grande maîtrise de la taille, sachant qu’à l’époque les outils métalliques n’existaient pas. Le haut de la pièce représente les bras joints, en position de prière devant la bouche, et la tête dirigée vers le ciel. Les deux arcs en bas représentent quant à eux les jambes fléchies de l’homme qui se recueille. Les pieds que l’on devine sous le fessier forment la base de la sculpture. Le tronc vertical pris en étau entre les bras et les jambes constitue le buste qui soutient l’ensemble. Il est creusé en son centre au niveau du ventre. La tête se résume ici à un front bombé, deux yeux ronds en relief et une encoche en lieu et place du nez. La bouche ouverte, signifiée par l’espace aménagé entre les mains, évoque les prières et les incantations. L’ensemble est d’une telle ingéniosité sur le plan artistique que ce personnage, vieux de 2000 ans environ, absorbé par le cosmos et implorant avec dévotion la protection des dieux tutélaires, devient une forme architecturale d’une saisissante modernité.

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Veracruz - ‎ ‎ ‎VERACRUZ - Palma ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎ ‎  Palma cérémonielle représentant un aigle harpie - VERACRUZ – MEXIQUE - 450 - 750 AP. J.-C. - Précolombien Hauteur : 21,5 cm Largeur : 14,7 cm Epaisseur : 12,2 cm Roche volcanique brun-gris Documents (originaux) remis à l’acquéreur : - Certificat d’authenticité de la Galerie Mermoz, Santo Micali, Expert, (CNE) Compagnie Nationale des Experts - Certificat Art Loss Register - Passeport de libre circulation - Rapport de microanalyses - Facture Cette splendide palma est une œuvre caractéristique de la Culture classique du Veracruz. Elle représente une harpie féroce, l’un des plus grands et plus puissants rapaces des forêts tropicales d’Amérique latine, aussi appelée aigle-harpie. Cette sculpture exceptionnelle illustre à merveille le talent et la maîtrise technique atteinte par les artistes du Veracruz, qui savaient réaliser des pièces très sophistiquées sur le plan artistique et très puissantes sur le plan symbolique, à partir de pierres dures, particulièrement exigeantes à travailler.   Les palmas, issues principalement du nord du Veracruz, appartiennent au « complexe du jeu de balle ». Ce terme, employé par les archéologues, désigne trois types de sculptures cérémonielles : yugos, hachas et palmas (de leur nom espagnol) associées au jeu sacré, et considérés comme les répliques en pierre des équipements portés par les joueurs.   La très haute qualité de ces ouvrages, la présence de certains exemplaires dans des contextes funéraires, leur iconographie à haute teneur symbolique et les matériaux utilisés pour les sculpter - ici une pierre volcanique importée des montagnes du Veracruz, considérée comme sacrée - indiquent qu’il s’agissait d’objets rituels de première importance, appartenant aux membres de l’élite.

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Sente - Sin título (Gare de l'Est), 2022, tinta en spray y rotulador sobre placa esmaltada del metro de París, 37 x 210 cm Mobiliario urbano personalizado y objetos de transporte público grafiteados y reinterpretados han invadido el espacio del sótano de la galería Wallworks para la insólita exposición "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". A la exposición se accede por una escalera cubierta de etiquetas y grafitis. Piezas encontradas o recién adquiridas durante la venta de la RATP, los artistas se apoderan de todo tipo de elementos urbanos y de transporte público: cabinas telefónicas, semáforos, farolas, señales de tráfico esmaltadas, cortinas de hierro, buzones, carteles de metro de París, Moscú y Nueva York, cabezas de vaca de paradas de autobús, señales de tráfico y ferroviarias, lavabos de la SNCF, asientos de la RATP y otras piezas de automóvil... Siete piezas presentadas en la inauguración están aún en blanco -entre ellas la emblemática M amarilla de plástico, platos esmaltados y una puerta de metro- y están destinadas a ser personalizadas por nuevos artistas y finalizadas durante futuras actuaciones artísticas. 36 artistas estadounidenses, europeos, sudasiáticos y rusos del movimiento del graffiti o arte urbano dan una nueva vida a todos estos objetos cotidianos en un gran desorden colorido y lleno de graffitis. Esta nueva muestra colectiva sigue el principio de las anteriores exposiciones colectivas que reunieron a unos cincuenta artistas callejeros - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016)-, de las que Claude Kunetz tiene el secreto. Adaptando los conocimientos de su profesión inicial de productor cinematográfico al montaje de exposiciones, busca mobiliario urbano vintage que confía a artistas para que lo personalicen. Recientemente adquiridas en la subasta de la RATP en beneficio del Recueil Social, las emblemáticas placas de metro de plástico amarillo M -con retroiluminación de neón- y de hierro esmaltado, así como los asientos circulares "A Kiko" -concebidos inicialmente, según sus diseñadores y creadores, como "resistentes a las quemaduras, a los arañazos, a los graffiti (sic) y a los esfuerzos mecánicos"- se presentan tal cual desde la inauguración. A continuación, se confiarán a nuevos artistas que las personalizarán, dándoles el toque final durante las representaciones artísticas que tendrán lugar a lo largo de la exposición. Junto a algunas piezas más antiguas de exposiciones anteriores, dos grandes placas esmaltadas con los nombres de las estaciones de Trocadero y Estrasburgo Saint-Denis, de COLORZ y PSYCKOZE respectivamente, completan esta colección de elementos de transporte público y mobiliario urbano, todos ellos reinterpretados libre y artísticamente.

3.000 EUR

Anton Kothgasser - ANTON KOTHGASSER (VIENA, 1769-1851) Vista de la catedral de San Esteban de Viena Copa de vidrio acampanado con una vista pintada de la catedral de San Esteban de Viena. Leyenda dorada "Domkirche zu St Stephan in Wien". Firmado en la curva del pie diametralmente opuesta a la escena pintada: "A[nton]. K[othgasser]". Una mancha en la escena pintada, un desconchón en el reverso de la base. Viena (Austria), hacia Conservado en su estuche original de marruecos rojo. H. 11,5 x An. 8,5 cm. Procedencia Familia aristocrática francesa desde principios del siglo XIX. Literatura - Gustav E. Pazaurek, Eugen von Philippovich, Gläser der Empire-und Biedermeierzeit, 1976, p. 189, fig. 169. - Kovacek, Katalog Biedermeier, Einblicke in die Idylle, 2007, p. 74, cat. n.º 41, una copa comparable con borde inferior dentado firmada A. K. en negro. - Paul von Lichtenberg, Mohn & Kothgasser, Transparent bemaltes Biedermeierglas, 2009, p. 286, fig. 170. Obras relacionadas Una copa muy similar con ligeras variaciones en la decoración, vendida en Auktionshaus im Kinsky GmbH, Viena, 18 de octubre de 2016, lote 409 (illus. 1). Historia Anton Kothgasser (o Kothgaßner), nacido en Viena en 1769, fue pintor de porcelana y vidriero desde 1781 en la Wiener Kunstakademie. Estudió dibujo figurativo con el pintor alemán Heinrich Füger desde 1784 en la Wiener Porzellanmanufaktur hasta 1840, empleado como el pintor de dibujos más importante, el pintor n.º 96. A partir de 1811, mientras trabajaba para la Manufaktur e independientemente de ella, se dedicó a la pintura sobre vidrio, a la que le introdujo Gottlob Samuel Mohn, veinte años más joven que él y que se había trasladado a Viena en 1811. Recibió numerosos premios, entre ellos el 6 de septiembre de 1811, y permiso el 20 de mayo de 1816 "para trabajar en casa durante algunos meses en su pintura sobre vidrio". Al principio trabajaba sobre placas de vidrio, pero pronto prefirió pintar sobre vidrio hueco utilizando esmalte transparente (pintura transparente). Esta técnica fue inventada por Samuel Mohn, que se interesó especialmente por este método entre 1815 y 1830.

15.000 EUR

Nebay - La paz no tiene colores, 2014, acrílico y tinta en aerosol sobre portón trasero de 4L, 100 x 95 x 10 cm Mobiliario urbano personalizado y objetos de transporte público grafiteados y reinterpretados invadieron el espacio del sótano de la galería Wallworks para la insólita exposición "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". A la exposición se accede por una escalera cubierta de etiquetas y grafitis. Piezas encontradas o recién adquiridas en la venta de la RATP, los artistas se apoderan de todo tipo de elementos urbanos y de transporte público: cabinas telefónicas, semáforos, farolas, señales de tráfico esmaltadas, cortinas de hierro, buzones, carteles de metro de París, Moscú y Nueva York, cabezas de vaca de paradas de autobús, señales de tráfico y ferroviarias, lavabos de la SNCF, asientos de la RATP y otras piezas de automóvil... Siete piezas presentadas en la inauguración están aún en blanco -entre ellas la emblemática M amarilla de plástico, platos esmaltados y una puerta de metro- y están destinadas a ser personalizadas por nuevos artistas y finalizadas durante futuras actuaciones artísticas. 36 artistas estadounidenses, europeos, sudasiáticos y rusos del movimiento del graffiti o arte urbano dan una nueva vida a todos estos objetos cotidianos en un gran desorden colorido y lleno de graffitis. Esta nueva muestra colectiva sigue el principio de las anteriores exposiciones colectivas que reunieron a unos cincuenta artistas callejeros - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016)-, de las que Claude Kunetz tiene el secreto. Adaptando los conocimientos de su profesión inicial de productor cinematográfico al montaje de exposiciones, busca mobiliario urbano vintage que confía a artistas para que lo personalicen. Recientemente adquiridas en la subasta de la RATP en beneficio del Recueil Social, las emblemáticas placas de metro de plástico amarillo M -con retroiluminación de neón- y de hierro esmaltado, así como los asientos circulares "A Kiko" -concebidos inicialmente, según sus diseñadores y creadores, como "resistentes a las quemaduras, a los arañazos, a los graffiti (sic) y a los esfuerzos mecánicos"- se presentan tal cual desde la inauguración. A continuación, se confiarán a nuevos artistas que las personalizarán, dándoles el toque final durante las representaciones artísticas que tendrán lugar a lo largo de la exposición. Junto a algunas piezas más antiguas de exposiciones anteriores, dos grandes placas esmaltadas con los nombres de las estaciones de Trocadéro y Estrasburgo Saint-Denis, de COLORZ y PSYCKOZE respectivamente, completan esta colección de elementos de transporte público y mobiliario urbano, todos ellos reinterpretados libre y artísticamente.

3.200 EUR

Adrien Delorme - Dimensions : H 84 cm x L 130 cm x P 65 cm Cette commode en laque rouge est galbée en façade et ouvre par deux tiroirs sans traverses marquetés d'un décors aux chinois, pagodes et paysage lacustre. Elle est richement encadrée d'entrelacs rocaille en bronze doré et de deux entrées de serrures dont l'une tombant élégamment jusqu'au second tiroir. Les côtés, également galbés, sont à décor chinoisant sur fond de laque rouge et encadrés d'entrelacs rocaille en bronze doré. Les montants de pieds avant sont galbés et sont ornementés de chutes, sabots et baguettes en bronze doré. Son dessus est en marbre Brèche D'Alep, mouluré sur son champs d'un bec de corbin à double gorges. Restauration d'usure et d'entretien et reprise de la laque. Très beau travail d’époque Louis XV, attribué à Adrien Delorme provenances : galerie Michel Meyer Vente Sotheby's Avril 2012 Il est possible qu'Adrien Delorme ne fut, pour ce genre de commande, qu'un exécutant. On sait qu'il travailla pour un grand marchand-mercier, Thomas-Joachim Hebert, qui lui-même livra, à partir de 1746, ce genre de mobilier à Madame de Pompadour. C'est également lui qui permit à BVRB (confrère de Delorme) de fournir à la Reine Marie Leczinska la commode aujourd'hui exposé au Louvre mais destinée en 1737 à son cabinet de retraite à Fontainebleau. Comme la réalisation de commode en laque de chine rouge est assez rare pour l'époque, il est fort probable qu'il travailla aussi pour Lazare Duvaux, également Marchand-mercier, qui énuméra dans son Journal, la vente de plusieurs commodes en laque rouge : "Juin 1754-1771- Madame la Duchesse de Mirepoix : une commode plaquée en vernis rouge à pagodes, garnie partout en bronze doré d'or moulu avec son marbre de vert Campan de trois pieds et demi, 720 L.", "Mars 1758- 3061- M. Duperron : une commode de vernis rouge garnie partout de bronze doré d'or moulu, avec son marbre de vert Campan de trois pieds et demi, 720 L." Adrien DELORME , reçu maitre le 22 juin 1748 Fils de François Delorme (1691-1768) de nom d'origine Faizelot, Adrien Delorme est un ébéniste très réputé du XVIIIe siècle grâce à ses marqueteries et laques de style Extrême-Orient. Bien que sa carrière fût longue, il préféra le Style Louis XV dont sa production importante de commodes galbées, armoires et bureaux en sont le témoignage. Son activité s'arrêta en 1783 lorsqu'il dispersa ses meubles dans une vente aux enchères. Aujourd'hui encore, les commodes en laque rouge reste rares, nous pouvons cependant en trouver des très similaires à la notre, réalisées par Adrien Delorme. Comme cet exemple dans le dictionnaire des ébénistes et des menuisiers « le mobilier français du XVIIIe siècle » par Pierre Kjellberg

Precios a consultar

Inkie - Sin título (Sitio), 2015, acrílico y tinta en aerosol sobre rótulo metálico inglés, 85 x 75 cm Mobiliario urbano personalizado y objetos de transporte público grafiteados y reinterpretados invadieron el espacio del sótano de la galería Wallworks para la insólita exposición "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". A la exposición se accede por una escalera cubierta de etiquetas y grafitis. Piezas encontradas o recién adquiridas durante la venta de la RATP, los artistas se apoderan de todo tipo de elementos urbanos y de transporte público: cabinas telefónicas, semáforos, farolas, señales de tráfico esmaltadas, cortinas de hierro, buzones, carteles de metro de París, Moscú y Nueva York, cabezas de vaca de paradas de autobús, señales de tráfico y ferroviarias, lavabos de la SNCF, asientos de la RATP y otras piezas de automóvil... Siete piezas presentadas en la inauguración están aún en blanco -entre ellas la emblemática M amarilla de plástico, platos esmaltados y una puerta de metro- y están destinadas a ser personalizadas por nuevos artistas y finalizadas durante futuras actuaciones artísticas. 36 artistas estadounidenses, europeos, sudasiáticos y rusos del movimiento del graffiti o arte urbano dan una nueva vida a todos estos objetos cotidianos en un gran desorden colorido y lleno de graffitis. Esta nueva muestra colectiva sigue el principio de las anteriores exposiciones colectivas que reunieron a unos cincuenta artistas callejeros - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016)-, de las que Claude Kunetz tiene el secreto. Adaptando los conocimientos de su profesión inicial de productor cinematográfico al montaje de exposiciones, busca mobiliario urbano vintage que confía a artistas para que lo personalicen. Recientemente adquiridas en la subasta de la RATP en beneficio del Recueil Social, las emblemáticas placas de metro de plástico amarillo M -con retroiluminación de neón- y de hierro esmaltado, así como los asientos circulares "A Kiko" -concebidos inicialmente, según sus diseñadores y creadores, como "resistentes a las quemaduras, a los arañazos, a los graffiti (sic) y a los esfuerzos mecánicos"- se presentan tal cual desde la inauguración. A continuación, se confiarán a nuevos artistas que las personalizarán, dándoles el toque final durante las representaciones artísticas que tendrán lugar a lo largo de la exposición. Junto a algunas piezas más antiguas de exposiciones anteriores, dos grandes placas esmaltadas con los nombres de las estaciones de Trocadéro y Estrasburgo Saint-Denis, de COLORZ y PSYCKOZE respectivamente, completan esta colección de elementos de transporte público y mobiliario urbano, todos ellos reinterpretados libre y artísticamente.

1.100 EUR

L'ATLAS - justo después del lienzo de fin de semana Técnica: Acrílico y spray sobre lienzo. Formato: 120 x 120 cm Se vende enmarcado en una caja americana negra. Año de producción: 2020 La galería At Down está a su disposición para más información sobre la adquisición de esta obra. EL ATLAS Nacido en 1978 Vive y trabaja en: París, Francia 48° 51' 23.8104" N, 2° 21' 7.9992" E L'Atlas empezó a hacer grafitis en los años 90. Fascinado por el trabajo de la línea y la escritura, fue a estudiar caligrafía árabe tradicional a Marruecos, Egipto y Siria. Le interesa especialmente el kufi, una escritura geométrica cuyos códigos transpone al alfabeto latino, creando así su propia tipografía. Atlas experimenta con diversos medios, como la fotografía, la pintura y el vídeo. Tras trabajar un tiempo en la industria cinematográfica, donde aprendió técnicas de montaje tradicionales y realizó algunos documentales, desarrolló un universo pictórico en el que cada letra se considera una forma, y cada forma una letra. Poco a poco, la propia ciudad se le aparece llena de signos, cuyas huellas casi abstractas recoge con un sistema de improntas. Un artista meticuloso en busca de una cierta pureza, tanto en la forma como en el uso parco del color. El pensamiento oriental, según el cual la dualidad es fuente de complementariedad, desempeña un papel fundamental en su vida y en su arte. De ahí extrae la esencia de su enfoque artístico. Hay una dicotomía recurrente entre el blanco y el negro en la mayoría de sus composiciones. Comparado a menudo con el movimiento de protesta italiano de finales de los 60, el Arte Povera, renuncia sobre todo a equipos pesados que pudieran hacerle depender de la economía y las instituciones culturales. Concede gran importancia al proceso, y más concretamente al gesto creativo Su trabajo sobre el logotipo y la caligrafía le lleva a otras formas de intervención callejera. Junto con Zevs, se convirtió en una figura del movimiento post-graffiti y diseñó una serie de intervenciones urbanas, como el trazado de brújulas urbanas, incluida una frente al Centro Georges Pompidou, realizada en ocasiones con un gaffer, una de sus herramientas favoritas. Otra de sus técnicas consiste en tomar impresiones de tapas de alcantarilla por contacto. La obra de L'Atlas pretende reconciliar la ciudad y el hombre, el exterior y el interior. Con el tiempo, su práctica artística ha ido evolucionando, paralelamente a su presencia en la calle, hacia la concepción de obras que resistan el paso del tiempo y que, de forma natural, pasen a formar parte de la ciudad, del mismo modo que lo hacen los carteles o las brújulas escocesas, en espacios expositivos adecuados, sin perder el espíritu contestatario y subversivo que los caracteriza.

11.400 EUR

L'Insecte - "Calle" Acrílico, aerosol y posca sobre madera Obra única Formato : 75 x 114 x 6 cm Enmarcado en madera blanca Adquirir la obra EL INSECTO (nacido en 1986) Un insecto es una criatura a menudo poco querida, pero indispensable para el ecosistema... Viniendo del graffiti, ¿no es por esta razón por la que el artista decide hacer de él su ardor? Una llamarada que suena como un paralelismo entre sus dos razones de vivir: la naturaleza y el arte callejero, ese movimiento tan denostado desde su origen y que ¡está ya tan arraigado en la historia del arte! L'Insecte es originalmente un grafitero empedernido, fan de la tipografía y más concretamente de las letras old school de los años 90. Hacía graffitis en las calles, en descampados, en casas abandonadas... y discretamente pegada a sus mensajes de protesta, podemos descifrar la etiqueta "1sekte", la que reserva para la calle. Pero L'Insecte es también una referencia a la naturaleza, la naturaleza en la que le gusta vivir. No piense que el graffiti está reservado a las grandes ciudades, a lo largo de las décadas ha atravesado los campos y el campo para inspirar, sublimar, (¿vandalizar?) las más pequeñas estaciones provinciales. Con el tiempo, la madera se ha convertido en su material favorito. Siempre reciclado, lo caza, lo trata, lo lija y lo pinta. L'Insecte es, por tanto, una mezcla de naturaleza y cultura del graffiti hip-hop. Es grafitear un búho sobre roble, dibujar un oso con Posca, denunciar con la suavidad del trazo y la brutalidad de las palabras. Porque sí, L'Insecte denuncia y detrás de sus bonitos animales, sus colores cálidos y sus composiciones hábilmente puntuadas por listones, ¡el mensaje es claro y habla a todo el mundo!

3.200 EUR

RARE ALMANACH BRODÉ CIRCA 1785 COMMÉMORANT LA NAISSANCE DU DUC DE NORMANDIE Étrennes historiques et galantes des François. À Paris, chez Jubert Doreur rue St Jacques, s.d. [circa 1785]. Format in-18, ravissante reliure d'époque en soie ivoire ornée d'un cadre brodé de fils d'or, paillons et paillettes, au centre une composition fixée sous verre de paillons de diverses couleurs dans un cadre ovale en argent : l'une sur le premier plat figure un berceau soutenu par deux dauphins d'où semblent émerger trois têtes (Madame Royale, le Premier Dauphin et le duc de Normandie, futur Louis XVII) et qui retient une croix du Saint-Esprit, le tout sous un dais à deux médaillons évoquant Louis XVI et Marie-Antoinette ; l'autre au second plat figure un trophée à l'Amour de paillons polychromes, avec deux oiseaux symbolisant le bonheur et la fécondité du couple royal. La doublure en soie rose, la première accueillant un petit miroir au mercure, la seconde aménagée en soufflet, tranches dorées. Mention à l'encre rose sous la composition du premier plat : "La France / satisfaite". Titre-frontispice et 12 figures gravées à l'eau-forte, le tout colorié à l'époque. Bon état général, traces d'humidité dans le soufflet. Provenance - Ouvrage offert en présent à l'occasion de la naissance de Louis-Charles de France (1785-1795), duc de Normandie, futur Louis XVII, possiblement par ou pour le couple royal. - Bibliothèque de Robert Beauvillain, avec son ex-libris gravé par Charles Jouas. - Bibliothèque de Jean-Jacques S.

3.200 EUR

Bates - Action mayo 68, 2018, Técnica mixta sobre la portada original de la revista "Action", 54 × 37 cm 42 artistas de arte urbano se expresan en portadas originales de Action, el periódico activista de mayo del 68. Fundada en París por Claude Kunetz en 2011, la Galerie Wallworks se ha hecho rápidamente un nombre en la escena del arte del grafiti con exposiciones individuales dedicadas a grafiteros franceses (Nebay, Tilt) o estadounidenses (Rime, Haze) y exposiciones colectivas para las que se invita a los artistas a personalizar mobiliario urbano. Claude Kunetz, inicialmente productor de cine, adapta sus conocimientos de producción al montaje de exposiciones coleccionando mobiliario urbano de época que confía como soporte creativo a artistas del movimiento del graffiti y el arte urbano. Con "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016), ha hecho una especialidad de estas exposiciones para las que numerosos grafiteros y artistas callejeros intervienen todo tipo de mobiliario urbano: cabinas telefónicas, buzones, semáforos, señales luminosas, farolas, señales de metro, señales de calle esmaltadas, cortinas de hierro, paradas de autobús, señales de carretera y ferrocarril, bancos de tren, piezas de automóvil... Con motivo del 50 aniversario de Mayo del 68, repitió la experiencia, esta vez confiando a artistas ejemplares originales del diario Action. Creado por el periodista Jean Schalit, Action publicó su primer número el 7 de mayo de 1968. Sirvió de relevo para las reivindicaciones de varios movimientos estudiantiles y comités de acción de los institutos. Las páginas de Action se abrieron a numerosos dibujantes como Siné, Topor y Wolinski. Conservados durante 50 años, todos estos documentos fueron recopilados en su día por Claude Kunetz cuando, siendo preadolescente, vivía con sus padres en la rue Gay-Lussac. Impresionado por la efervescencia de las barricadas que observaba desde su ventana, se dedicó a recopilar metódicamente estos documentos. La exposición también presenta una selección de folletos y documentos de la época.

1.500 EUR

Dize - Sin título (Buzón), 2022, tinta en aerosol y rotulador sobre buzón, 50 x 24 x 24 cm Mobiliario urbano personalizado y objetos de transporte público grafiteados y reinterpretados invadieron el espacio del sótano de la galería Wallworks para la insólita exposición "ESPACE PUBLIC EN SOUS-SOL". A la exposición se accede por una escalera cubierta de etiquetas y grafitis. Piezas encontradas o recién adquiridas durante la venta de la RATP, los artistas se apoderan de todo tipo de elementos urbanos y de transporte público: cabinas telefónicas, semáforos, farolas, señales de tráfico esmaltadas, cortinas de hierro, buzones, carteles de metro de París, Moscú y Nueva York, cabezas de vaca de paradas de autobús, señales de tráfico y ferroviarias, lavabos de la SNCF, asientos de la RATP y otras piezas de automóvil... Siete piezas presentadas en la inauguración están aún en blanco -entre ellas la emblemática M amarilla de plástico, platos esmaltados y una puerta de metro- y están destinadas a ser personalizadas por nuevos artistas y finalizadas durante futuras actuaciones artísticas. 36 artistas estadounidenses, europeos, sudasiáticos y rusos del movimiento del graffiti o arte urbano dan una nueva vida a todos estos objetos cotidianos en un gran desorden colorido y lleno de graffitis. Esta nueva muestra colectiva sigue el principio de las anteriores exposiciones colectivas que reunieron a unos cincuenta artistas callejeros - "Ne Pas Effacer" (2012), "Intérieur Rue" (2013), "Pièces détachées" (2014), "Morceaux de rue" (2015) y "Dehors Dedans" (2016)-, de las que Claude Kunetz tiene el secreto. Adaptando los conocimientos de su profesión inicial de productor cinematográfico al montaje de exposiciones, busca mobiliario urbano vintage que confía a artistas para que lo personalicen. Recientemente adquiridas en la subasta de la RATP en beneficio del Recueil Social, las emblemáticas placas de metro de plástico amarillo M -con retroiluminación de neón- y de hierro esmaltado, así como los asientos circulares "A Kiko" -concebidos inicialmente, según sus diseñadores y creadores, como "resistentes a las quemaduras, a los arañazos, a los graffiti (sic) y a los esfuerzos mecánicos"- se presentan tal cual desde la inauguración. A continuación, se confiarán a nuevos artistas que las personalizarán, dándoles el toque final durante las representaciones artísticas que tendrán lugar a lo largo de la exposición. Junto a algunas piezas más antiguas de exposiciones anteriores, dos grandes placas esmaltadas con los nombres de las estaciones de Trocadéro y Estrasburgo Saint-Denis, de COLORZ y PSYCKOZE respectivamente, completan esta colección de elementos de transporte público y mobiliario urbano, todos ellos reinterpretados libre y artísticamente.

1.800 EUR

C215 - "Borsalino" Stencil en un mapa Obra única Formato : 103 x 123 cm Enmarcado en madera natural con cristal Adquirir la obra C215 (nacido en 1973) Figura clave en la historia del arte callejero francés, C215 es reconocido como EL maestro del estarcido. Expuesto en todo el mundo, de Londres a Sao Paulo, pasando por Nueva York y Barcelona, empezó en las calles de los suburbios de París en 2005. El anónimo Verdadero retratista, lleva el realismo a la calle, pero no un realismo cualquiera, un realismo que grita verdad, rostros marcados con miradas profundas. En una pared, un buzón, un armario eléctrico, primero intentó representar lo que no queremos ver: un vagabundo, una pareja gay besándose... tanta gente abandonada, parias o anónimos. Por eso, sin elitismo, sin egocentrismo, pinta al otro, muy a menudo a escala humana, y le da una presencia, un lugar en nuestra sociedad. "Mis obras sitúan a las personas invisibles en el rango de celebridades. A través de estos rostros, quiero que los transeúntes se enfrenten a su propia humanidad". De la calle a la institución En 2014, quiso dar otra dimensión a su enfoque artístico. Impulsado por el deseo de ser útil, de "comprometerse con la ciudadanía", creó la exposición itinerante "Douce France", que muestra y demuestra las múltiples y a veces contradictorias facetas de la cultura francesa. Una especie de "respuesta sarcástica a quienes se preguntan qué es la identidad nacional". Apasionado de la historia, C215 se pone al servicio de la educación. Humaniza los espacios públicos representando los retratos de grandes nombres que conocemos en los carteles de las calles, pero cuyos rostros a menudo ignoramos. A partir de ese momento, se sucedieron las exposiciones institucionales. Entre otros, podemos mencionar "E=MC215, diálogo entre ciencia y arte" en el Museo de Artes y Oficios en 2015, "Radium 215" en el Museo Curie en 2016, "100 ans après..." en 2018 para conmemorar el centenario del armisticio de la Primera Guerra Mundial y rendir homenaje a sus combatientes en el Museo de la Legión de Honor, e "Illustres" en el Panteón, el mismo año, donde rinde homenaje a los escritores, científicos, políticos, artistas y librepensadores que están enterrados allí. Actualmente, el C215 expone una serie de retratos en el Musée de l'Ordre de la Libération y en el barrio de los Inválidos de París, en el marco de la exposición "Entre Ombre et Lumière, Portraits de compagnons de la Libération" (más información sobre la exposición en la página 4). La idea es ofrecer a las nuevas generaciones una forma diferente y contemporánea de interesarse por la Historia y la Cultura. Ofrece un punto de entrada más accesible, con la esperanza de inspirar el deseo de saber más. En 2019, es el primer artista francés perteneciente al movimiento Street Art que entra en una colección permanente de museo. Forma parte de la colección del Mamac de Niza (Museo de Arte Moderno y Contemporáneo). En efecto, tras la profanación de los retratos de Simone Veil en los buzones del Ayuntamiento del distrito XIII de París, el C215 fue invitado a reproducir los retratos de la gran dama de Niza en dos buzones para alertar y encabezar esta lucha contra el odio. Él lo reivindica: su trabajo urbano pretende unir y no dividir, ya sea en torno a una obra, una idea o un valor. Le gusta vincular el pasado con el presente retratando la Historia en un contexto urbano contemporáneo y con una técnica artística muy actual, el graffiti. De la calle a la institución, C215 ha trazado el itinerario de un artista consumado y comprometido.

7.500 EUR